Os 92 melhores filmes de comédia mais engraçados

Com tudo indo do jeito que está no mundo agora, estamos rindo para manter as emoções menos alegres sob controle. (Sério. Atualizamos esta lista e publicamos essa frase pela primeira vez anos atrás, mas nossa capacidade de rir sobre a situação parece ser a única coisa que está melhorando? Caramba!) Pelo menos este século bizarro, ainda muito em andamento, já produziu uma série de comédias espetaculares, bobas, sarcásticas e cínicas: prontas para disparar sempre que você precisar de uma explosão de serotonina ou distração, graças ao crescente grupo de serviços de streaming.

A pandemia pode estar no retrovisor para o governo federal dos EUA, mas o espectro da guerra, uma economia torturada e questões de direitos humanos em todo o mundo ocuparam as mentes de muitos. Então, precisando desesperadamente de um pouco de humor, achamos que era mais importante do que nunca dar à nossa lista das Maiores Comédias do Século XXI, publicada originalmente em 2017, mais uma reformulação. Desde que a lista foi publicada originalmente, nós a expandimos para 90 entradas, incluindo títulos lançados desde então que mereciam inclusão e outros títulos que de alguma forma ignoramos na primeira vez. (Aqui está olhando para você, “Spy”, e bem-vinda às fileiras, “Catherine Called Birdy”).

À medida que o IndieWire evoluiu, esta lista também evoluiu, e continuará a evoluir enquanto Hollywood continuar a fazer filmes que nos façam rir. O que mais você pode fazer?

Com contribuições editoriais de Christian Zilko, Alison Foreman, Christian Blauvelt, Samantha Bergeson, David Ehrlich, Kate Erbland, Leonardo Adrian Garcia, Eric Kohn, Ryan Lattanzio, Michael Nordine, Chris O’Falt, Zack Sharf e Anne Thompson.

92. “Thelma” (2024)

Um dos raros sucessos do Sundance que realmente satisfaz, “Thelma” é uma vitrine adorável e silenciosamente comovente para os talentos singulares da inimitável June Squibb. Aos 94 anos, ela está em seu primeiro papel principal como a idosa homônima, vivendo sozinha por dois anos após a morte de seu marido. Quando um golpista a engana em US$ 10.000 em um esquema telefônico, a família de Thelma começa a considerar colocá-la em uma casa de repouso, o que frustra profundamente a mulher inquieta e independente. Determinada a provar que ainda é capaz, ela se junta a um velho inimigo e parte em uma busca de vingança por Los Angeles para recuperar seu dinheiro. O diretor Josh Margolin se diverte muito modelando a comédia nos filmes de ação “Missão: Impossível”, filmando o processo de subir escadas ou dirigir uma scooter de mobilidade como uma sequência de ação cheia de adrenalina. No entanto, nunca parece maldoso em seu humor; graças às atuações emocionantes de Squibb e do falecido Richard Roundtree como dois velhos amigos tentando encontrar alegria e significado em seus últimos anos, “Thelma” oferece uma celebração da resiliência e aptidão de seus mais velhos. —WC

91. “Assassino de Aluguel” (2024)

Há uma corrente obscura e enjoativa em “Hit Man”, de Richard Linklater, uma história de identidades falsas e interpretação de papéis recheada de violência e ambiguidade moral. O roteiro de Linklater e da estrela Glen Powell torna fácil não perceber, porque toda essa história distorcida é apresentada como uma comédia romântica fácil e descontraída. Powell, como o professor idiota Gary Johnson que se tornou um falso assassino disfarçado, dá uma reviravolta de megawatt, alternando sem esforço entre as múltiplas personas de seu personagem, enquanto a co-protagonista Adria Arjona é igualmente convincente como uma esposa abusada que é mais perigosa do que aparenta. Os dois são sensuais e engraçados juntos, e o filme torna sua conexão tão enraizada que você não necessariamente se importa com o quão doentia é a base sobre a qual seu relacionamento cheio de mentiras é construído. Assim como Gary faz com seus alvos, “Hit Man” coloca uma fachada charmosa para esconder o perigo que espreita por baixo. —WC

90. “Doente de mim mesmo” (2023)

Poucos protagonistas na memória cinematográfica recente são tão detestáveis ​​quanto a perfeitamente egocêntrica Signe de Kristine Kujath Thorp, cuja personalidade aparentemente amável mascara um desejo sem fundo por atenção. “Sick of Myself”, do diretor norueguês Kristoffer Borgli, acompanha Signe enquanto sua necessidade de ser vista como especial e interessante cresce a níveis insaciáveis ​​quando seu namorado igualmente egoísta Thomas (Eirik Sæther) de repente consegue capas de revistas e exposições por meio de seu glorificado hábito de furto em lojas de uma carreira artística. Inquieta em seu trabalho de barista, mas sem nenhum talento real para ganhar fama, Signe recorre ao uso de um medicamento russo recolhido para fingir uma condição de pele, que logo desfigura permanentemente seu rosto, mas lhe dá a adoração e a simpatia que ela sempre desejou. O que torna “Sick of Myself” um deleite tão satisfatoriamente ácido é a dinâmica inebriantemente feia de Thomas e Signe, como dois narcisistas que realmente se amam, mas não tanto quanto amam a si mesmos. Borgli nunca poupa críticas em sua sátira, dando a Signe a autorreflexão suficiente para se humanizar — pouco antes de ela começar sua próxima mentira horrível e hilária. —WC

89. “Fundos” (2023)

Um momento decisivo de representação para gays feios e sem talento, “Bottoms” de Emma Seligman parece um milagre em 2023: uma comédia sexual adolescente honesta e popular, centrada em lésbicas, com a ousadia e a confiança para fazer dessas lésbicas pessoas terríveis. Ayo Edebiri e Rachel Sennott estrelam como Josie e PJ, duas impopulares veteranas do ensino médio que desejam desesperadamente as gatas líderes de torcida inatingíveis Isabel (Havana Rose Liu) e Brittany (Kaia Gerber). Depois que um mal-entendido faz com que toda a escola pense que as duas passaram o verão lutando contra outras garotas até a morte no reformatório, a dupla aproveita sua repentina notoriedade para começar uma “aula de autodefesa feminina” (glorificado clube da luta) na esperança de se aproximar dos objetos de seu desejo.

A premissa selvagem do filme se encaixa perfeitamente no mundo quase surrealista da comédia adolescente que ele cria, onde as aulas terminam depois de um minuto e o time de futebol rival literalmente tenta assassinar o quarterback estrela, e as incríveis habilidades cômicas de Sennott e Edebiri garantem que o roteiro de piadas por milissegundos esteja em boas mãos. É uma abordagem incrivelmente queer de comédias sexuais, mas não é pretensiosa ou enjoativa sobre representação — deixando seus protagonistas se encaixarem confortavelmente no hall da fama dos protagonistas de comédias sexuais desprezíveis.  —WC

88. “Dungeons & Dragons: Honra Entre Ladrões” (2023)

Muitos sucessos de bilheteria hoje em dia têm o mesmo senso de humor: referências à cultura pop, gracejos sem fim e diálogos autoconscientes que são menos engraçados do que irritantes. Então é uma delícia assistir a “Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves” e ver um filme de ação que sabe como realmente se divertir. A continuação de “Game Night” de Jonathan Goldstein e John Francis Daley não é o clássico imediato que aquele filme foi, mas é um bálsamo em um mar de filmes de super-heróis sombrios, permitindo que seu talentoso elenco (Chris Pine como um bardo perfeitamente desajeitado, Michelle Rodriguez como uma bárbara memoravelmente rude, Justice Smith e Sophia Ellis em papéis coadjuvantes excelentes e Hugh Grant no tipo de papel de vilão bajulador que ele pode interpretar dormindo) faça rir tanto quanto chuta bundas. Mas o que faz o filme cantar é como ele adapta não o RPG de mesa Dungeons and Dragons, mas a experiência de jogá-lo com um grupo de amigos. É uma experiência frequentemente boba e caótica, e “Honor Among Thieves” sabe que a melhor maneira de honrar o jogo é não levá-lo tão a sério. —WC

87. “Pânico VI” (2023)

Considere nossa sugestão de que você coloque a mais recente adição de Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett à famosa franquia Scream de Wes Craven como um endosso de toda a comédia da série slasher. Mais do que um viés de atualidade, “Scream VI” entra na nossa lista de melhores comédias, enquanto seus cinco predecessores não tão engraçados não, porque é o ápice sangrento e brilhante de quase duas décadas de paródia da cultura pop. Algumas piadas ficam mais engraçadas quanto mais você as conta, e o desmascaramento repetido de Ghostfaces desde 1996 tem sido tão previsível e satisfatório quanto o fim de uma travessura de “Scooby-Doo”: com “Scream VI” entregando um final especialmente brilhante e exagerado, tão emocionante quanto pateta. Os roteiristas e diretores de “Ready or Not” fazem uso matador de seu cenário na cidade de Nova York, e o elenco da próxima geração do filme exala tanta química quanto sangue de adereço. Jenna Ortega oferece uma performance convincente e sarcástica como a sobrevivente de “Pânico V”, Tara, mas é a represália de Jasmin Savoy Brown ao alívio cômico/explicadora das regras dos moradores Mindy Meeks-Martin que nos lembra por que a fórmula de terror e comédia de Pânico funciona tão bem. —AF

86. “Ratatouille” (2007)

Os filmes da Pixar costumam ser muito engraçados, mas “Ratatouille” merece suas flores pelo quanto sua premissa se tornou um meme por si só; nenhum outro filme da Disney pode se gabar do fato de ter sido o assunto de uma piada de várias partes em “Everything Everywhere All at Once”. A busca do roedor com mentalidade culinária Remy (dublado por Patton Oswalt) para se tornar um grande chef controlando as ações do garçom de restaurante Alfredo (Lou Romano) por meio de um sistema de polia de cabelo é a janela do filme para uma versão colorida e hilária de Paris, com uma colônia de ratos briguentos, um dono de restaurante de pavio curto (Ian Holm) e uma adorável comédia romântica entre Alfredo e a rotisseur Collette (Janeane Garofalo) e uma excelente comédia física (assistir ao marionetista Remy Alfredo nunca envelhece). Como a maioria dos filmes da Pixar, há muita profundidade no roteiro, sobre a natureza da arte e do elitismo, mas se você vai assistir a um filme da empresa apenas para rir, este é o filme certo. —WC

85. “Barb e Star vão para Vista Del Mar” (2019)

“Barb e Star vão para Vista Del Mar” é o tipo de maravilha boba e insana que não é feita o suficiente hoje em dia. À primeira vista, a estreia de Josh Greenbaum na direção parece um filme no estilo das estrelas e roteiristas Kristen Wiig e do clássico “Missão Madrinha de Casamento” de Annie Mumolo, e uma recauchutagem desse ótimo filme seria decentemente assistível. Mas a história dos heróis titulares de meia-idade em busca de um resort de férias na Flórida rapidamente se revela como um Looney Tune live-action, quando os dois entram na mira de Sharon Fisherman (Wiig, em um papel duplo que é realmente louco de assistir): uma megalomaníaca tentando assassinar todo mundo por seu trauma de viver na comunidade ensolarada como uma criança muito pálida. As piadas são genuinamente estranhas, mais do que aleatórias: há um caranguejo falante chamado Norman Freemond! As vidas de Barb e Star são salvas por culotes flutuantes! Reba McEntire interpreta um espírito da água chamado Trish!!! É o tipo de comédia que faz você rir tanto de espanto e deleite quanto das piadas em si; especialmente durante a incrível música “Edgar’s Lament” de Jamie Dorman, estabelecendo o galã de “50 Tons” como um ator cômico surpreendentemente brilhante. —WC

84. “Boa Sorte para Você, Leo Grande” (2022)

Às vezes, tudo o que você precisa são dois opostos polares para fazer uma comédia funcionar. Quase um filme de dois atores, “Boa Sorte para Você, Leo Grande” foca no vínculo temporário, mas significativo, entre Nancy (Emma Thompson, Luminous), uma viúva abotoada, e Leo (Daryl McCormick), um trabalhador do sexo que ela contrata ao longo de algumas semanas. O contraste entre a rígida Nancy, desesperada pela ótima experiência na cama que ela nunca conseguiu receber, e o direto e charmoso Leo cria uma brincadeira franca e maravilhosamente divertida enquanto eles brigam e discutem suas histórias compartilhadas com sua sexualidade. É um filme frequentemente constrangedor, mas leve e doce, e sincero em sua exploração silenciosamente radical das tentativas de uma mulher de entrar em contato consigo mesma. —WC

83. “Bons Garotos” (2019)

Pense bem: sua comédia favorita de Judd Apatow é reduzida e todas essas piadas obscenas estão saindo da boca de pré-adolescentes. Claro, pode parecer artificial, mas “Good Boys” é tudo, menos um típico filme pré-adolescente. Jacob Tremblay lidera hilariamente a comédia de ensino fundamental com classificação R sobre crescer e se livrar de seu grupo de amigos de infância Beanbag Boys. Dos primeiros beijos a drones voadores, andar de bicicleta até o shopping e vender uma boneca sexual, “Good Boys” não se contém em suas risadas, e cada piada é igualmente adorável graças ao elenco, incluindo Keith L. Williams, Brady Noon, Lil Rey Howery, Will Forte e Molly Gordon. Seth Rogen e Evan Goldberg produziram a estreia na direção dos escritores de “The Office”, Lee Eisenberg e Gene Stupnitsky, que também cocriaram a série “Hello Ladies” de Stephen Merchant. Não importa o quão ruins esses garotos do ensino fundamental sejam, eles sempre serão “bons”, se não ótimos. “Good Boys” ressuscitou sozinho o filme adolescente com classificação R? Podemos ousar dizer isso. — SB

82. “Driblando o Destino” (2003)

As referências a David Beckham — do título a uma inclusão piscante do próprio homem durante os momentos finais de bem-estar do filme — podem parecer um pouco ultrapassadas, mas a comédia romântica vencedora de Gurinder Chadha continua tão calorosa e edificante quanto era quando Becks estava marcando gols em Old Trafford. O filme caloroso vai além do campo, pois se aprofunda na situação dos sikhs punjabi na Inglaterra e em outras questões do dia — tudo isso mantendo um espírito solto que o mantém firmemente no reino da comédia.

Parminder Nagra e Keira Knightley, ambas em papéis de estrelas, são ótimas companheiras de equipe e ainda melhores colegas de elenco, mantendo as coisas rápidas, mesmo enquanto elas e seu diretor garantem que “Driblando o Destino” nunca seja uma mera ninharia. Chadha, que cresceu em Londres como parte da diáspora indiana, encontra dor e beleza na tentativa de sua heroína de agradar seus pais tradicionais enquanto forja sua própria identidade dupla, um maravilhoso ato de equilíbrio entre tons que nunca rouba o charme do filme. —KE

81. “Asiáticos Podres de Ricos” (2018)

Os traços gerais do best-seller de Kevin Kwan, o romance compulsivamente legível “Crazy Rich Asians” são familiares o suficiente: é uma história de garota conhece garoto — e uma história de família perturbada de garota conhece garoto — o tipo de assunto que está sempre pronto para uma comédia. Mas os livros de Kwan, vagamente baseados em sua própria maioridade em Cingapura, pegam essa narrativa clássica e a transformam em uma carta de amor vivaz à cultura asiática contemporânea, povoada por personagens únicos e ambientada nos locais de arregalar os olhos de Cingapura, um dos países mais ricos do mundo.

A adaptação do material para o cinema por Jon M. Chu, um filme de estúdio inovador que é inteiramente povoado por artistas asiático-americanos (o primeiro do gênero na época desde “The Joy Luck Club”, 25 anos antes), é uma visão amorosa dos livros de Kwan, reunidos em um pacote extremamente divertido. É a química entre o elenco que dá ao filme seu poder cômico, seja a loucura entre Constance Wu e Awkwafina ou a ameaça deliciosa com que Michelle Yeoh envolve cada linha de diálogo. Sorrir em cada cena é a experiência de visualização básica de “Crazy Rich Asians”, o que significa que o elenco tem você na palma das mãos quando é hora de fazer uma piada. No que diz respeito às comédias românticas contemporâneas, “Crazy Rich Asians” é a mais irresistível. —ZS

80. “Bad Luck Banging ou Pornô Maluco” (2021)

“Bad Luck Banging or Loony Porn” de Radu Jude começa como a história de uma fita de sexo que deu errado, com circunstâncias se desenrolando no centro nas ruas inquietas de Bucareste, enquanto os problemas frenéticos de uma professora e da comunidade dividida contra ela acontecem contra preocupações muito maiores. À medida que a situação borbulha até uma conclusão, Jude desencadeia três finais muito diferentes para a situação de Emi — e é a terceira possibilidade mais louca que faz todo esse estranho esforço valer a pena esperar: tudo se resume a uma erupção de raiva grotesca e realização de desejos extravagantes, como John Waters, que funciona em muitos níveis para estragar aqui, exceto para dizer que envolve uma fantasia chocante de empoderamento feminino nunca antes colocada na tela. — EK

79. “A Fuga das Galinhas” (2000)

O primeiro longa-metragem da Aardman Animations faz muito para lembrar os espectadores dos encantos delirantes do reino da animação stop-motion e das mentes malucas por trás dele. Um filme de aventura estranhamente humano, de fazer farfalhar penas, sacudir ovos, a comédia de Peter Lord e Nick Park acompanha um grupo de galinhas de criação em fuga depois que elas percebem — uh, e agora? — que estão prestes a se transformar em tortas de carne.

É uma história clássica, enfeitada com mais humor de cérebro de pássaro do que você pode sacudir um galinheiro, e com todo o calor e amor que sempre percorrem o trabalho de Aardman. Se importa com galinhas? Como você não pode depois de assistir a esta pequena fatia rápida de ação familiar para se sentir bem. (Peço desculpas a todos que tiveram que responder a algumas perguntas enormes sobre a ética de comer animais depois de mostrar isso para os mais jovens, mas ei, a comédia também pode ser ensinável.) Em junho passado, uma sequência há muito comentada parecia finalmente estar se preparando para apressar suas penas para a tela grande, graças ao pacto de produção contínua da Netflix e da Aardman.  —KE

78. “Scott Pilgrim contra o mundo” (2010)

Um eterno favorito das crianças indie, “Scott Pilgrim vs. the World” fracassou nas bilheterias quando foi lançado originalmente. Mas, graças em parte a praticamente todos os envolvidos se tornarem ridiculamente famosos, agora se destaca como uma das comédias românticas mais queridas da última década. Uma versão hipercondensada da popular série de graphic novels “Scott Pilgrim” de Bryan Lee O’Malley, o filme de Edgar Wright acelera por seis volumes de conteúdo para contar a história do personagem-título (interpretado, com uma babaquice encantadora, por Michael Cera), seu romance com a garota misteriosa Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead) e sua busca para derrotar seus sete ex-namorados malignos e se tornar uma pessoa melhor no processo. O ritmo extremamente acelerado da história resulta em um filme repleto de cenas visualmente inventivas, lutas incríveis e oportunidades para o elenco talentoso despejar ótimas frases de efeito a torto e a direito. (A interpretação de Brie Larson de “Ser vegano significa apenas que você é melhor do que a maioria das pessoas?” Perfeição). Scott Pilgrim é uma pessoa horrível 90 por cento do tempo de execução, mas as delícias do filme “Scott Pilgrim” nunca envelhecem. —WC

77. “Contos Selvagens” (2014)

A ode argentina de Damian Szifron à bagunça da vida traz as rápidas mudanças de tom que definem o melhor trabalho de Bong Joon Ho. Mas esta coleção destemida e fascinante de seis curtas-metragens em espanhol destaca outra coisa: a precisão necessária para fazer comédia bem — ter domínio cinestésico sobre o sistema nervoso do seu público — é exatamente a mesma necessária para fazer suspense e terror. Um curta, sobre um incidente de raiva ao volante que sai do controle em direção a tal extremidade que o riso é apenas uma resposta final, captura isso particularmente. Assim como a primeira parte, “Pasternak”, em que todos a bordo de um voo descobrem que conhecem a mesma pessoa. Terror de tirar o fôlego e piadas podem ser a mesma coisa. E o curta final, um casamento que se transforma em acusações e infidelidades enquanto os convidados da recepção ainda estão festejando, leva a comédia constrangedora ao seu limite absoluto.

O máximo em filmes do tipo “ria porque você não sabe mais como se sentir”, “Wild Tales” também é uma vitrine para economia de narrativa e caracterizações impactantes. A resposta de uma ex-presidiária quando perguntada por que ela foi para a cadeia? “Não fazer nada do que me arrependo.” Nenhuma exposição poderia ser melhor do que essa. E o fato de que, sete anos depois de “Wild Tales”, Szifran finalmente tem uma continuação na lata, sua estreia em inglês “Misanthrope”, deve nos dar esperança de que podemos ser tão emocionantemente desconfortáveis ​​novamente em breve.  —CB

76. “Vovô Mau” (2013)

A imersão protética de Johnny Knoxville em interpretar o avô travesso Irving Zisman foi tão impressionante que o maquiador Stephen Prouty ganhou uma indicação ao Oscar na 86ª edição do Oscar. Este spinoff tipicamente obsceno de “Jackass”, dirigido por Jeff Tremaine, acompanha Irving e seu neto impressionável (Jackson Nicoll) em uma viagem de carro pelo país que os coloca com os mais desprezíveis e inesperados da sociedade. Participações especiais do ex-aluno de “Jackass”, Spike Jonze, e até mesmo Catherine Keener (embora deixada na sala de edição) criam outra experiência hilária que desafia os limites do bom e do mau gosto. — RL

75. “O Melhor Pai do Mundo” (2009)

“World’s Greatest Dad” fica ao lado de “Four Lions” no panteão de filmes recentes que transformaram os assuntos mais sem graça do planeta em ouro indiscutível da comédia. Nem todo filme consegue encontrar uma maneira de contar uma história tocante e genuinamente engraçada sobre suicídio, mas nem todo filme tem os talentos de Robin Williams à disposição. Quando o filho de Williams morre em um acidente sexual embaraçoso, ele faz um último ato de boa criação tentando esconder os detalhes de uma forma que leva a memória de seu filho a se tornar mais amada do que nunca teria sido de outra forma. O material é uma excelente vitrine para as habilidades cômicas e dramáticas de Williams, e consegue olhar destemidamente para a natureza bizarra da adoração póstuma de celebridades sem nunca parecer de mau gosto. Embora o assunto de “World’s Greatest Dad” tenha assumido um contexto muito mais triste após o trágico suicídio de Williams, isso não é motivo para não apreciar o trabalho brilhante que ele fez enquanto ainda estava conosco. — CZ

74. “Kung Fu Hustle” (2004)

O sucesso mundial de “O Tigre e o Dragão” abriu caminho para uma enxurrada de filmes wuxia no início dos anos 2000 (que época para se estar vivo!), e enquanto a maioria deles oferecia exibições de alto nível da arte marcial que sustentou o gênero por tantas décadas, poucos eram tão espirituosos quanto “Kung Fu Hustle” de Stephen Chow, e nenhum era tão engraçado. Com grandes risadas e CG caricaturalmente ruim com a precisão de uma katana — ou pelo menos um machado gigante — a extravagância de época de Chow reimaginou Xangai dos anos 1940 como parte dos irmãos Shaw e parte “Looney Tunes”, o cineasta estrelando ao lado de Lam Chi-chung como uma dupla de bandidos mesquinhos que sonham em se juntar à gangue violenta que governa sua cidade com um toque de ferro.

A premissa se presta a todos os tipos de travessuras travessas (a tentativa frustrada do herói de roubar um vendedor de sorvete é uma tragicomédia no seu melhor), mas é durante as cenas de luta que “Kung Fu Hustle” atinge algum tipo de iluminação. Para risadas puras, é difícil superar a parte em que dois assassinos empunhando guzheng usam o poder da música para matar um trio de mestres de kung fu, apenas para serem derrotados por uma senhoria fumante que desce as escadas e casualmente reduz todos a cinzas sem bagunçar os bobes em seu cabelo. Cinema puro. —DE

73. “Espião” (2015)

Depois de sua estreia em “Missão Madrinha de Casamento”, Melissa McCarthy teve sorte e azar com filmes de comédia, fornecendo seu talento inegável para projetos indignos como “The Happytime Murders” e “Life of the Party”. Mas ela e seu diretor de “Missão Madrinha de Casamento”, Paul Feig, marcaram outro vencedor em 2015, quando se uniram novamente para “Spy”, uma comédia de ação que escalou McCarthy contra o tipo como uma agente da CIA capacho. Uma graduada de primeira classe, a personagem de McCarthy, Susan Cooper, foi confinada a um trabalho de escritório por anos graças à sua natureza passiva, trabalhando como substituta de seu crush Bradley Fine (Jude Law). Mas quando Fine é assassinada no trabalho, ela decide entrar em campo para rastrear a traficante de armas nucleares Rayna Boyanov (Rose Byrne). McCarthy é uma delícia como Susan, e sua jornada para se tornar uma heroína de ação confiante e durona cria um arco de personagem gratificante e surpreendentemente comovente. A única coisa ruim sobre “Spy” é que ele ainda não ganhou uma sequência. —WC

72. “A Escalada” (2019)

A premissa de “The Climb” foi contada tantas vezes que é um pequeno milagre que esta funcione: dois amigos de longa data testam os limites de sua amizade quando uma mulher se interpõe entre eles. No entanto, a estreia absorvente de Michael Covino na direção confronta esse desafio com uma ambição cinematográfica impressionante, resultando em uma brilhante reinvenção da comédia de amigos. Filmes de caras movidos a testosterona ocuparam todas as facetas do cenário cinematográfico nos últimos anos, dos irmãos Duplass a “Step Brothers”, mas “The Climb” transforma esse tropo em uma nova visão de confrontos bêbados e lamentos estranhos, resultando em uma visão tragicômica vencedora de seu próprio design. — EK

71. “Palhaço” (2010)

Pode haver comédias sexuais picantes melhores, e pode haver comédias parentais melhores, mas nenhum filme na memória recente combina os dois tão bem quanto “Klown”. O sucesso de bilheteria dinamarquês conta a história de um completo idiota que, ao saber que sua namorada está grávida, leva um garoto de 12 anos em uma “viagem de garotos” muito adulta em uma tentativa desajeitada de convencer sua namorada (e a si mesmo) de que ele é capaz de ser pai. Mikkel Nørgaard extrai um milhão de cenários engraçados dessa premissa simples, com muita ajuda de suas excelentes estrelas Frank Hvam e Casper Christensen, resultando em algumas das melhores comédias de constrangimento produzidas em ambos os lados do Atlântico neste século. — CZ

70. “Despedida de Solteira” (2012)

A comédia frequentemente abrasiva de Leslye Headland sobre uma despedida de solteira de melhores amigas do ensino médio que deu terrivelmente errado tem muitas coisas a seu favor — mas sua MVP é Kirsten Dunst como uma carreirista tensa que se desfaz em uma noite de bebedeira, cheirando cocaína e uma pilha de travessuras degradantes que começam com uma mancha de sangue em um vestido de noiva. A noiva, interpretada por Rebel Wilson, está sobrecarregada reunindo suas melhores amigas interpretadas por Dunst, a rebelde fumante e drogada Lizzy Caplan e a “idiota” Isla Fisher completamente bêbada. Tomando o curso de uma noite escura de almas perdidas fortemente intoxicadas, o desequilibrado e destemido “Bachelorette” é adaptado da própria peça de Headland e, quase uma década depois, está pronto para o status de filme cult, mesmo que tenha recebido uma crítica injusta em 2012. — RL

69. “A versão de 40 anos”

Radha Blank ganhou o prêmio de direção na seção dramática dos EUA do Sundance 2020 e não é de se admirar: aqui estava uma comédia filmada em preto e branco que expressava algo vividamente e vibrantemente novo. Blank estrela como uma versão de si mesma que é dramaturga, mas não tem uma de suas peças produzida há muito tempo. Ela talvez esteja valorizando o prêmio 30 Under 30 um pouco demais, quanto mais ela se afasta de tê-lo recebido. “Eu só quero ser uma artista!”, ela soluça em um ponto. No entanto, isso é difícil de fazer quando ela está sob pressão para escrever “um musical de Harriet Tubman” — algo que Blank foi solicitada a fazer na vida real — e disse a um produtor branco de meia-idade que seu trabalho é “inautêntico… Eu me perguntei, uma pessoa negra escreveu isso?” Então Radha acaba gravando uma mixtape de rap sob o nome de Radhamus Prime e encontra uma nova liberação criativa. Blank entregou uma das comédias definitivas do tipo “ria, senão você vai chorar” do século XXI. —CB

68. “Todo mundo quer um pouco!!” (2016)

Mais de 20 anos depois de Richard Linklater ter estourado com “Jovens, Loucos e Rebeldes”, o rei do cinema do Texas recapturou com sucesso o espírito livre daquele filme com “Everybody Wants Some!!” Enquanto “Jovens, Loucos e Rebeldes” focava nas façanhas de estudantes do ensino médio maconheiros durante o último dia de aula, “Everybody Wants Some” acompanha um grupo de jogadores de beisebol universitários durante o último dia de verão, enquanto eles se mudam para uma casa e festejam antes do início oficial das aulas. O personagem do ponto de vista Jake (Blake Jenner) é um pouco chato, mas o resto do elenco é craque (particularmente Zoey Deutch como o interesse amoroso Beverley e Glen Powell em uma reviravolta como o tarado Finnegan), e o filme é um ponto de encontro nostálgico e agradável como “Jovens, Loucos e Rebeldes”. Às vezes, você pode realmente pegar um raio em uma garrafa duas vezes. —WC

67. “Desculpe incomodá-lo” (2018)

Potencialmente a comédia mais estranha desta lista, a estreia de Boots Riley na direção, “Sorry to Bother You”, é, nas palavras do diretor, uma “comédia de humor negro absurda com aspectos de realismo mágico e ficção científica inspirada no mundo do telemarketing”. E, no entanto, isso realmente só arranha a superfície do que este filme trata. Cheio de um elenco incrivelmente talentoso liderado por Lakeith Stanfield e Tessa Thompson, o filme gira em torno de Cash, de Stanfield, um jovem telemarketing negro que adota um sotaque branco para ter sucesso em seu trabalho. Isso é antes do filme se tornar uma parábola da ganância corporativa, um comentário mordaz sobre desigualdade de renda e escravidão moderna, e uma brincadeira absurda selvagem ao longo da avenida da manipulação genética.

No final, no entanto, o que torna este filme tão especial é a visão singular e única de Riley: não é exagero afirmar que não há outro filme como “Sorry to Bother You”. E um grande aviso de gatilho para potenciais espectadores de primeira viagem: Armie Hammer está neste filme. Mas também, sabendo o que sabemos agora, ele está perfeitamente escalado para este filme. —LAG

66. “Borat Subsequent Moviefilm” (2020)

Sasha Baron Cohen se afastou de “minhaaa esposa” e, em vez disso, assumiu a eleição presidencial de 2020 para refletir aos espectadores como é a América hoje em dia. “Borat 2” (ou “Borat Subsequent Moviefilm”) é cheio de acrobacias políticas, pegadinhas e entrevistas com celebridades, principalmente uma cena frequentemente debatida envolvendo Rudy Giuliani. Desta vez, Borat (Cohen) está acompanhado de sua filha de 15 anos, Tutar (uma Maria Bakalova indicada ao Oscar), que ele planeja vender como noiva criança para o vice-presidente Mike Pence. Os absurdos só decolam a partir daí, quando Tutar viaja em uma gaiola de metal e visita uma clínica pró-vida. Fato encontra ficção quando Borat invade o discurso de Pence no CPAC e Tutar entrevista Giuliani. O constrangimento vem apenas depois das risadas, quando percebemos que a piada inevitavelmente é sobre todos nós. — SB

65. “Maio Dezembro” (2023)

Uma peça de extremo exagero e de uma sinceridade de cortar o coração que extrai o drama humano real do sensacionalismo dos tabloides, o delicioso “May December”, de Todd Haynes, continua a tradição do diretor de fazer filmes que dependem da autoconsciência que parece escapar de seus personagens — especialmente aqueles interpretados por Julianne Moore.

Aqui, a atriz se reencontra com seu diretor de “Safe” para interpretar Gracie Atherton-Yoo, uma ex-professora de escola que se tornou um nome conhecido em 1992 quando deixou seu ex-marido por um de seus alunos de 13 anos. Agora é 2015, a situação se normalizou um pouco, e Gracie e Joe (um pai bod Charles Melton) estão juntos há tempo suficiente para que seus filhos mais novos estejam prestes a se formar no ensino médio. Seu romance escandaloso se estabeleceu na realidade suburbana… ou assim parece. Infelizmente, o passado ainda não está pronto para liberar seu controle sobre essas crianças malucas, especialmente quando Gracie decide estender o capacho para uma atriz de TV ofegante que está se preparando para interpretá-la em um filme independente sobre o escândalo (Natalie Portman (fenomenalmente na ponta em uma performance implacável). Convidar o estranho para sua vida parece inocente o suficiente, mas Gracie não entende muito bem o que mais ela está convidando para sua vida ao mesmo tempo.

Escrito por Samy Burch, “May December” é uma comédia sombria e maldosa que aprofunda a obsessão de longa data de Haynes com a performance, ao mesmo tempo em que zomba do tipo de atriz que ele claramente ama tanto. A ludicidade tonal do diretor às vezes foi ofuscada pela consistência infalível de suas texturas emocionais, mas aqui, no mais engraçado e menos “estilizado” de seus filmes, é mais fácil do que nunca apreciar sua genialidade em usar o artifício como um veículo para a verdade. —DE

64. “Paddington 2” (2018)

Embora possa não ser mais o filme mais bem avaliado já feito — um título que foi roubado dele como um livro pop-up vintage de uma loja de antiguidades de Londres — “Paddington 2”, de Paul King, ainda é, sem sombra de dúvidas, um dos filmes mais engraçados do século XXI. Fazendo a ponte entre CGI e a era do cinema mudo, este conto sincero de amor e pertencimento está repleto de humor cômico, desde seu prólogo ambientado no Peru até seu número musical incomparável no meio dos créditos. A performance de voz doce de marmelada de Ben Whishaw como o urso favorito de todos transforma Paddington no homem hétero perfeito para tudo, desde sequências de perseguição que acenam para Harold Lloyd, piadas de prisão que prestam homenagem a Charlie Chaplin e um grand finale de locomotiva que faz Buster Keaton melhor do que qualquer urso já fez.

E ainda assim, para um filme com uma estrela da Ursa Maior no centro, “Paddington 2” realmente ganha vida com seu elenco de apoio. Brendan Gleeson como o cozinheiro da prisão Knuckles McGinty? Icônico. Julie Walters como a desconfiada Sra. Bird? Uma lenda. Caramba, Richard Ayoade só aparece na tela por cerca de 15 segundos, mas ele ainda consegue servir um pouco de ouro cômico puro. No entanto, não é preciso dizer que ninguém neste ou em qualquer outro filme é capaz de ofuscar a performance majestosa de Hugh Grant como o vilão Phoenix Buchanan, um ator decadente cuja convicção de fazer qualquer coisa por um público cativo é, em última análise, o que eleva “Paddington 2” ao panteão das grandes comédias. —DE

63. “Um pombo pousou num galho refletindo sobre a existência” (2014)

Muitas das melhores comédias deste jovem século dependem do diálogo para transmitir suas risadas. Não há tantas em que o humor parece embutido no design do cenário, em que as piadas visuais são mais notáveis ​​do que as frases de efeito. Roy Andersson é um dos poucos a conseguir tal coisa. O mestre finlandês encenou tableaux vivants do absurdo em “Songs from the Second Floor” e “You, the Living”, mas “A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence” é a personificação de seu estilo impassível. Enquanto um passageiro da balsa jaz morto no chão do restaurante do navio, a maior questão é: quem deve beber seu copo de cerveja perfeitamente intocado? Afinal, por que ele deveria ser desperdiçado? Esse incidente reflete sua visão divertida da humanidade.

E as vinhetas continuam chegando: uma sequência em uma cervejaria apresentando variantes infinitamente repetidas de “The Battle Hymn of the Republic” é uma comédia por repetição que vai deixar você sem fôlego de tanto rir. Por que “The Battle Hymn of the Republic” está sendo cantado em uma cervejaria de Gotemburgo? Não pergunte por quê. Apenas se abra para o comprimento de onda inimitável de Andersson. —CB

62. “Esquecendo Sarah Marshall” (2008)

O IndieWire listou “Forgetting Sarah Marshall” como uma das maiores comédias românticas e um dos melhores filmes de término. Essa dupla honra é, o quê, mantida por outro filme? “Forgetting Sarah Marshall” não tem apenas um elenco estelar – Jason Segel, Kristen Bell, Mila Kunis, Paul Rudd, Jonah Hill, Russell Brand e Bill Hader – mas a comédia atinge o tom perfeito entre WTF chafurdando em desgosto, tristeza e sentimentos de romance novo e exultante. A comédia de 2008 é estrelada por Segel (que também escreveu o roteiro) como Peter, um supervisor musical de TV que tenta fazer o impossível: superar sua ex-namorada atriz Sarah (Bell) viajando para o Havaí. Acontece que Sarah também está hospedada no mesmo resort com seu novo amor rockstar (Brand). Começa uma série de encontros constrangedores enquanto Peter tenta esquecer Sarah a todo custo e um concierge (Kunis) o ajuda a recuperar o ritmo. “Forgetting Sarah Marshall” é, sem dúvida, um clássico — que outro filme termina com um musical de marionetes de vampiros? — e uma escolha óbvia para nossa lista de melhores comédias. — SB

61. “Viagem Ruim” (2021)

Dirigido por Kitao Sakurai, a partir de um roteiro que Sakurai coescreveu com Dan Curry e o astro Eric André, “Bad Trip” é um filme de câmera escondida mais parecido com “Bad Grandpa”: outra comédia de viagem totalmente inapropriada, também aparecendo nesta lista. O original da Netflix direto para streaming segue Chris (André) e seu melhor amigo Bud (Lil Rel Howery) em uma missão equivocada para reunir Chris com sua paixão do colégio, Maria (Michaela Conlin). Tendo “pegado emprestado” o carro de um parente para viajar pelo país, a dupla é perseguida por Trina (Tiffany Haddish): a irmã desequilibrada de Bud que por acaso é uma criminosa recém-fugitiva da prisão.

Assim como a franquia “Jackass”, “Bad Trip” funciona por causa da elaborada preparação nos bastidores para realizar tais acrobacias de alto risco. De André ficando pelado na frente de clientes em um lava-jato a um encontro verdadeiramente arrepiante com um suposto “gorila” em um zoológico, as palhaçadas sofridas pelos espectadores de “Bad Trip” exigem ser vistas. —AF

60. “Frances Ha” (2013)

A história de “artista charmoso, mas comum, luta para crescer” tem sido território padrão de filmes indie desde o início dos tempos. Em 2012, era difícil evitar a sensação de que a Jornada do Herói Hipster havia seguido seu curso. Mas “Frances Ha” tinha um ás na manga que filmes comparáveis ​​não tinham: Greta Gerwig.

O filme de Noah Baumbach, coescrito e estrelado por Gerwig, foi sem dúvida o primeiro filme a liberar seu verdadeiro poder para o mundo. E é uma Caixa de Pandora que ninguém conseguiu fechar desde então. Sua atuação é notável, pois ela traz tanta alegria para uma personagem que, francamente, não tem motivos para ser feliz. Sua lealdade aos amigos é tão forte, e sua paixão pela dança (mesmo que ela seja apenas uma aprendiz) tão contagiante que é impossível desviar o olhar. Ao mesmo tempo, o artesanato e os comentários do filme são impecavelmente inteligentes, nunca se esquivando dos problemas reais que encaram Frances. A combinação se mostra fatal: entendemos completamente por que Frances não deveria fazer essas escolhas, mas não podemos deixar de apoiá-la. Esse padrão culmina com Frances fazendo uma viagem espontânea para Paris enquanto sua vida desmorona ao seu redor; é uma tentativa engraçada, mas de partir o coração, de imitar o sucesso de seus amigos por um dia. Mas, à medida que sua vida se deteriora, sua alegria de viver ainda encontra uma maneira de brilhar. — CZ

59. “Os Excêntricos Tenenbaums” (2001)

Pense em todas as imagens que vêm à mente com “Os Excêntricos Tenenbaums”. Ben Stiller e seus dois filhos em trajes esportivos vermelhos; Luke Wilson a bordo de um navio; Gwyneth Paltrow em sua banheira (e na capa de um álbum de reggae, e tendo seu dedo decepado); Gene Hackman no elevador do Lindbergh Palace Hotel; os ratos dálmatas. Wes Anderson usa imagens para definir seus personagens, assim como qualquer diretor de comédia. Fazer com que o mundo deles pareça tão vívido permite que você acredite neles e se importe muito com suas lutas. “Os Excêntricos Tenenbaums” é um dos esforços mais pungentes de Anderson: “Por que você não deu a mínima para nós, Royal?”, pergunta Etheline de Angelica Huston sobre seu ex-marido (Hackman). “Por que você não se importou?” Anderson frequentemente fica melancólico em seus filmes, mas há uma tristeza particular na ideia de ter tido a oportunidade de conexão, estragar tudo e então tentar desesperadamente compensar o tempo perdido anos depois. Mas aqui está o problema: nenhum filme triste é capaz de fazer você rir tanto, e suas risadas estão, em alguns casos, anos à frente de seu tempo, especialmente uma paródia dilacerante do programa Charlie Rose.  —CB

58. “Uma Aventura LEGO” (2014)

O IndieWire chamou “ The Lego Movie ” de 2014 de “ prova de crítica ” , em parte devido à sua atitude inevitavelmente positiva e, sejamos realistas , animação adorável. Emmett (dublado por Chris Pratt) está feliz como um trabalhador da construção civil anônimo em Lego City, cuja ocupação monótona é recebida todos os dias com um sorriso. No entanto , após conhecer Wildstyle (Elizabeth Banks), o mundo de Emmett vira de cabeça para baixo em uma busca para salvar Lego City de seu malvado Presidente Business (Will Ferrell). O humor irônico torna “ The Lego Movie ” estranhamente mais voltado para adultos do que para crianças, e a busca existencial de Emmett por um propósito é relacionável de uma forma mais sombria. Como a crítica do IndieWire incluiu, “ Emmett nunca pensa fora da caixa: Ele É a caixa, e sua normalidade é profunda. ” O filme “ inteligente e engraçado ” lembra os espectadores de quebrar todos os moldes com um sorriso. — SB

57. “O Grande Hotel Budapeste” (2014)

Desde os primeiros quadros de “O Grande Hotel Budapeste”, você sabe que está na Terra de Wes Anderson. É exuberante, lindo, colorido, brega e completamente falso — mesmo enquanto o cineasta procurava locações para funiculares em Karlovy Vary. E é um filme de tirar o fôlego, com um vasto conjunto de comediantes de bigodes retorcidos — liderados pelo notável Ralph Fiennes como o lendário concierge do hotel, M. Gustave — amontoados em cada canto e fenda. Esta narrativa peripatética e sinuosa com vários quadros de tempo, ambientada em um período de mudanças turbulentas entre as duas Guerras Mundiais, é contagiantemente divertida, graças especialmente aos favoritos de Anderson, Bill Murray, Owen Wilson, Tilda Swinton, Edward Norton, Adrien Brody, Jason Schwartzman e Harvey Keitel. Eles sabem exatamente o que está acontecendo e dão a ele.  —A T

56. “Livro inteligente” (2019)

O melhor mashup moderno possível de “Superbad” e “Missão Madrinha de Casamento” e inúmeras outras comédias sobre a glória e a grosseria da amizade próxima, a estreia de Olivia Wilde na direção de um longa-metragem não é apenas uma ode às garotas inteligentes, experiências ruins no ensino médio e uma última noite de devassidão, também é muito engraçado. Inicialmente inspirado por um roteiro de Black List de uma década atrás (que se inclinava um pouco mais para as possibilidades românticas de um casal de superdotados enlouquecendo durante os últimos dias do ensino médio), a visão da roteirista Katie Silberman sobre o material dá um toque novo a uma configuração clássica. Melhores amigas para sempre, Molly (Beanie Feldstein) e Amy (Kaitlyn Dever) passaram seus anos de ensino médio estudando e ignorando todas e quaisquer reuniões sociais (além, é claro, de dormir uma com a outra e o protesto político necessário), tudo na esperança de colocar todas as suas energias em obter as melhores notas. Tudo deu certo como elas planejaram.

Mas eles descobrem que, bem, também deu certo para todos os outros que não se esconderam por quatro anos. Cue um arco de “uma última noite para fazer algo legal” e “grande festa importante”, que segue amorosamente a dupla dinâmica enquanto eles tentam compensar o tempo perdido. Os toques contemporâneos ajudam a reforçar um filme já profundamente sentido e muito divertido sobre duas boas garotas tentando fazer o mal (Amy é lésbica, sua escola é crível e diversa, as adolescentes são tratadas como humanos de verdade). Enquanto isso, o vínculo de Feldstein e Dever (que também existe fora da tela) aumenta a emoção e o humor do filme a cada momento. Dirigido com precisão, editado rapidamente e auxiliado por uma trilha sonora incrível, é um clássico do ensino médio em construção. —KE

55. “Palm Springs” (2020)

“Feitiço do Tempo” encontra “Mais Um” em “Palm Springs”, onde Cristin Milioti e Andy Samberg estão presos em uma comédia romântica de loop temporal que alimenta nosso medo existencial ao mesmo tempo em que faz um paralelo com a busca por um parceiro para desperdiçar. O filme de Max Barbakow fez história no Sundance de 2020 e estreou apropriadamente durante um ano em que a quarentena fez a reviravolta de “Palm Springs” parecer uma profecia. “Imagine estar preso em um purgatório perpetuamente estático, onde mudanças significativas só podem ser vistas pelos olhos do infeliz sofrendo ao seu lado”, escreveu David Ehrlich, do IndieWire, em sua crítica. “Imagine estar cercado por um milhão de estranhos em um mundo de possibilidades ilimitadas e acabar com o mesmo todas as noites por causa de uma escolha fatídica que parecia uma boa ideia há um milhão de anos. Imagine… ser casado.” Na verdade, “Palm Springs” gira em torno dos eventos de um casamento que acontece repetidamente, como uma “Melancolia” invertida. — SB

54. “Corpos Corpos Corpos” (2022)

“Bodies Bodies Bodies”, da diretora Halina Reijn, ostenta um estilo de comédia online naturalmente hábil que distorce o discurso digital do tipo pegadinha em paranoia com apostas de vida ou morte. Baseado em uma história de Kristen Roupenian — a autora por trás do conto viral de 2017 “Cat Person” — e escrito por Sarah DeLappe, este slasher de 2022 segue um grupo de amigos tensos (Amandla Stenberg, Myha’la Herrold, Chase Sui Wonders, Rachel Sennott, Conner O’Malley, Pete Davidson) e seus entes queridos (Lee Pace, Maria Bakalova) durante uma “festa de furacões” que logo se transforma em um policial sombriamente histérico. —AF

53. “Barbie” (2023)

O sucesso de Greta Gerwig que muda o zeitgeist abre, é claro, com uma homenagem a “2001: Uma Odisseia no Espaço”, de Stanley Kubrick. Um nascer do sol deslumbrante se estende sobre um deserto árido, povoado exclusivamente por garotas de olhos tristes da era Dust Bowl e suas bonecas que não piscam, enquanto Helen Mirren (!!) nos narra como era a vida antes da Barbie. Não era apenas chata (embora certamente fosse chata), mas era limitada (ah, era limitada). Para tantas meninas, as bonecas eram apenas bonecas, o que significava que seu tempo de brincadeira só podia girar em torno da maternidade, servidão e nenhuma diversão.

Mas assim como os macacos de Kubrick eventualmente encontraram um monólito alienígena que mudou completamente seu mundo e visão de mundo, as meninas de Gerwig estão prestes a serem atacadas por uma nova entidade que altera o mundo e quebra o cérebro: uma boneca Barbie gigante, pode-se até dizer monolítica, na forma de uma sorridente Margot Robbie, equipada como a primeira boneca Barbie já feita. E assim falou Barbie. É aí que a engraçada, feminista e extremamente original “Barbie” de Gerwig começa. Ela só vai ficar maior, mais estranha, mais inteligente e melhor a partir daí.

“Barbie” é um blockbuster amorosamente criado com muita coisa em mente, o tipo de filme que certamente se beneficiará de visualizações repetidas (há tanto para ver, tantas piadas para entender) e ainda é puramente divertido mesmo em uma única exibição. É o mundo da Barbie, e todos nós estamos apenas vivendo nele. Que fantástico.  –KE

52. “Apoie as Meninas” (2018)

Em mais um lembrete de quão incrível atriz ela é, Regina Hall interpreta a gerente geral de um breastaurant estilo Hooters chamado Double Whammies em “Support the Girls”, de Andrew Bujalski, uma comédia séria sobre mulheres da classe trabalhadora apoiando umas às outras enquanto evitam homens lascivos, uma rede rival (ManCave) e armadilhas do capitalismo tardio. Um filme que se desenrola em seu próprio ritmo e recompensa múltiplas visualizações, o verdadeiro deleite de “Support the Girls” é assistir ao conjunto acima mencionado (mais notavelmente Lisa de Hall, Maci de Haley Lu Richardson e Danyelle de Shayna McHayle) navegando tanto na indústria de serviços quanto em suas próprias vidas. —LAG

5. “Um Corte dos Mortos” (2017)

Uma obra de baixo orçamento e alto conceito de gênio irônico, “One Cut of the Dead” de Ueda Shin’ichirô é, sem dúvida, a melhor comédia zumbi desde que “Shaun of the Dead” viralizou o subgênero. Desdobrando-se como uma espécie de cruzamento profano entre “Day for Night” e “Diary of the Dead”, o deleite autorreflexivo de Ueda honra e humilha o cinema zumbi em igual medida (e também nessa ordem). A diversão contagiante começa com uma tomada longa virtuosa, mas estranhamente casual, de 37 minutos que mexe com suas expectativas do início ao fim, enquanto um ator no set de um filme de terror confunde um zumbi de verdade com um membro do elenco. Você pode pensar que sabe para onde as coisas vão a partir daí, mas acredite em nós — você não sabe. Bêbado em sua própria energia DIY e profundamente apaixonado por tudo o que faz, “One Cut of the Dead” é uma ode eufórica ao caos (e compromissos) da produção cinematográfica de gênero; é o tipo de filme que faz você querer pegar uma câmera, ligar para alguns amigos e morrer de rir enquanto filma o fim do mundo do seu jeito. —DE

50. “Anjos da Lei” (2012)

Jonah Hill e Channing Tatum ressuscitam a série de TV dos anos 1980 “21 Jump Street” para os dias atuais. A dupla de jovens policiais se disfarça de estudantes do ensino médio para se infiltrar em uma rede de drogas, à la “Nunca Fui Beijada”, mas com armas e distintivos. A química hilária de Tatum e Hill como policiais rivais que se tornaram melhores amigos, agora disfarçados como irmãos falsos, carrega o filme, junto com as performances de destaque de Ice-T como seu chefe, e Brie Larson e Dave Franco como os adolescentes em questão. Não importa os questionáveis ​​triângulos amorosos entre os policiais e os estudantes do ensino médio; “21 Jump Street” é um momento selvagem e bom. — SB

49. “Barbearia” (2002)

O sucesso de Tim Story, que deu início à franquia em 2002, se apresenta em uma fórmula para oferecer uma fatia única da vida que é tão engraçada quanto sincera. Apoiado por atuações fortes de um elenco extremamente talentoso, incluindo Ice Cube, Michael Ealy, Eve, Cedric the Entertainer, Keith David e Anthony Anderson, o sucesso estrondoso pode ter dado início a uma série inteira, completa com spinoffs e programas de TV, mas mesmo como uma entidade própria, é uma entrada digna no hall da fama da comédia comercial. A especificidade ajuda a impulsionar esse apelo, assim como um enredo com apostas reais, tudo o que Story e seu elenco tecem juntos com facilidade. O que é melhor do que sentar e ouvir as fofocas e piadas na barbearia local? —KE

48. “Adaptação” (2002)

O máximo em roteiro do tipo “não tente isso em casa”, a reviravolta delirantemente autorreflexiva de Charlie Kaufman em “The Orchid Thief”, de Susan Orlean, é tão inteligente e agridoce que pode ser fácil esquecer o quão engraçado é; entre dois Nicolas Cages, uma Meryl Streep homicida e uma rápida olhada no nascimento do universo, a hilaridade de algo como o discurso de Donald Kaufman para “The 3” (“é como uma batalha entre motores e cavalos”) tende a ser engolida pela ansiedade que o cerca por todos os lados. Mas, assim como os dois protagonistas do filme, o desespero em “Adaptação” é geminado com hilaridade, e o diretor Spike Jonze empurra essas energias polarizadas uma para a outra até que elas irrompem em um terceiro ato desequilibrado que abraça alegremente todas as coisas que Kaufman estava se esforçando tanto para evitar. Poucos filmes encontraram maneiras tão emocionantes de ter o bolo e comê-lo também, e menos ainda conseguiram arrancar tantas risadas sobre o quão ruins eles teriam sido se tudo não tivesse dado errado. —DE

47. “Sideways” (2004)

Muitos apetrechos combinam bem com “Sideways” — queijo fino, uvas, pavor existencial — mas um certamente não combina: o maldito Merlot. Liderado por uma das maiores performances que já não foi indicada pela Academia (desprezo de todos os desprezos!), a comédia dramática regada a vinho de Alexander Payne é, como qualquer boa taça de vinho, provável que inspire introspecção e risadas vertiginosas em igual medida. Paul Giamatti é o tédio quase de meia-idade personificado, com Thomas Haden Church como seu companheiro infiel; embora mergulhado em melancolia, seu último estridente hurra na região vinícola é uma celebração para as eras. —MN

46. ​​“Catherine Chamada Birdy” (2022)

O trabalho de Lena Dunham tende a polarizar o público, mas é difícil pensar em muitas comédias mais universalmente atraentes do que “Catherine Called Birdy”. Baseado no romance infantil de 1994 de Karen Cushman, o filme de Dunham é estrelado pela revelação de “The Last of Us”, Bella Ramsey, como a titular Birdy: uma garota de 14 anos de uma família nobre em Lincolnshire que deve resistir às tentativas de seu pai, Lord Rollo (Andrew Scott), de casá-la para segurança financeira. A farsa resultante e a jornada de amadurecimento são adequadamente obscenas e emocionantes, e Dunham se mostra suficientemente capaz de dobrar sua voz do século 21 (de uma geração!) para o século 13, imergindo os personagens nos costumes sociais da época de uma forma que nunca parece inautêntica ou falsa. Impulsionado pelas atuações marcantes de Ramsey, Scott e Billie Piper como a mãe de Birdy, Lady Aislinn, é o tipo de comédia familiar inteligente que está fora dos cinemas há muito tempo. — WC

45. “Grama Mais Verde” (2019)

O mundo de “Greener Grass” parece tão real e tão reconhecível, mesmo que se torne cada vez mais repleto de absurdos que o fazem parecer alienígena. É como se Wes Anderson assumisse uma parcela de “Black Mirror”, ou o David Lynch de “Wild at Heart” de repente dirigindo um episódio de “Desperate Housewives”. No entanto, é tudo original, e nos é dado por duas comediantes engenhosas em sua estreia na direção de longas-metragens: Jocelyn DeBoer e Dawn Luebbe.

O IFC Midnight arrebatou “Greener Grass” do Sundance 2019: é a definição de um filme da meia-noite. Duas donas de casa são melhores amigas em um bairro suburbano onde todos usam tons pastéis e se envolvem em uma disputa cruel — até que uma decide, de acordo com o que você descobrirá ser uma lógica única em “Greener Grass”, dar seu bebê para a outra como um presente. Então, outra criança de repente se transforma em um cachorro. É uma sátira de manter o ritmo com Joneses diferente de tudo o mais. Bem, talvez não exatamente. Ama todas essas coisas com Kyle MacLachlan como Dougie e Jim Belushi como o gangster em “Twin Peaks: The Return”? Imagine um filme inteiro disso. Por mais singular e estiloso que pareça, “Greener Grass” é, acima de tudo, engraçado. É o mais difícil que este escritor já riu no Sundance. —CB

44. “Caros Brancos” (2014)

A estreia de Justin Simien na direção de um longa-metragem, “Dear White People”, anunciou muitas coisas em 2014: primeiro, a chegada de uma nova voz negra — e queer! — importante no cinema americano. Segundo, um olhar incisivo sobre o interior turbulento de uma prestigiosa universidade da Ivy League por meio de lentes de cores diferentes. E terceiro, desencadeou o lançamento de uma série extremamente popular da Netflix baseada no filme em 2017. Este vencedor do Prêmio Especial do Júri dos EUA do Festival de Cinema de Sundance apresentou uma série de talentos agora enormes que estavam apenas começando a entrar em Hollywood na época, incluindo Tessa Thompson como uma ativista conflituosa e apresentadora de rádio, e Teyonah Paris, que mais tarde estrelou em “Chi-Raq” e “If Beale Street Could Talk” antes de, como Thompson, entrar no MCU. Mesmo como um olhar incisivo sobre as transgressões racistas dentro da escola chique de Winchester, o filme é totalmente engraçado e impulsionado por seu elenco vencedor. —RL

43. “Beijo, Beijo, Bang Bang” (2005)

É sempre Natal nos filmes de Shane Black, e nosso presente favorito para desembrulhar durante a temporada de festas é assistir Robert Downey Jr. como um ladrão rude chamado Harry Lockhart, que por engano faz um teste para um filme enquanto está fugindo da polícia. “Kiss Kiss Bang Bang” consolidou o retorno de RDJ em 2005, três anos antes de “Homem de Ferro” chegar aos cinemas e dar um salto em sua carreira. Um noir que encontra comédia negra, “Kiss Kiss Bang Bang” também é estrelado por Michelle Monaghan como a namorada de infância de Harry, Harmony Lane, e Val Kilmer interpreta o investigador particular contratado para rastrear Harry. Curiosidade: o filme leva o nome da coleção de críticas de filmes de Pauline Kael de 1968, então sim, todos aqueles ovos de Páscoa cinéfilos são muito intencionais. “Kiss Kiss Bang Bang” parodia não apenas filmes de ação, mas também filmes neo-noir ambientados no sul da Califórnia, com Harry descobrindo que nem todo mundo em Los Angeles tem seu final de Hollywood. — SB

42. “No Loop” (2009)

“In the Loop”, de Armando Iannucci, é um olhar mordaz sobre as pretensões muito finas que podem levar à guerra na era moderna, sobrepostas a um jogo absurdo de telefone internacional entre os Estados Unidos e o Reino Unido. Cheio de piadas rápidas como um relâmpago, abuso verbal ininterrupto e xingamentos quase onipresentes, o roteiro de “In The Loop” foi escrito por Iannucci, Jesse Armstrong (da HBO “Succession”), Simon Blackwell (da FX “Breeders”) e Tony Roche (que cunhou a frase ‘omnishambles’). Em uma performance incrível, Peter Capaldi repete seu papel como o ácido Malcolm Tucker da série anterior de Iannucci “Thick of It” e vai de igual para igual com, bem, com todos, incluindo, mas não se limitando ao Tenente-General George Miller de James Gandolfini, Linton Barwick de David Rasche e Karen Clark de Mimi Kennedy. A ponte entre “The Thick of It” e “Veep”, “In the Loop” também conta com Anna Chlumsky e Zach Woods, que interpretariam personagens semelhantes, mas nominalmente diferentes, em Washington, de Selina Meyer. — LAG

41. “As Banshees de Inisherin” (2022)

A reunião de Martin McDonagh com suas estrelas de “In Bruges” — Colin Farrell e Brendan Gleeson — é um caso ainda mais sombrio, abordando uma história de amizade decadente e mal-estar social contra o pano de fundo da guerra civil da Irlanda em 1923. Farrell dá a performance de sua carreira como Pádraic: um membro simplório de uma comunidade insular unida cujo mundo é destruído quando seu melhor amigo Colm (Gleeson) repentina e abruptamente decide terminar sua amizade. A busca de Pádraic para ter seu amigo de volta é tão engraçada quanto trágica, graças às performances brilhantes dos dois protagonistas, juntamente com Kerry Condon e Barry Keoghan no elenco de apoio. No entanto, principalmente, “Banshees” ressoa porque sua premissa é simples e dolorosamente relacionável. Qualquer um que já tenha perdido um amigo, por culpa própria ou não, será capaz de se ver na história.  —WC

40. “Jackass para sempre” (2021)

O tiro na virilha é para a comédia o que o blues de 12 compassos é para a música: um bloco de construção simples, claro, mas os verdadeiros mestres da forma de arte entendem que ele é perfeito por si só. Nenhuma franquia está mais ciente disso do que “Jackass”, o império da mídia construído sobre a ideia de que é muito divertido assistir seus amigos se machucarem. Depois de dois anos de distanciamento social e cautela indutora de ansiedade, o desrespeito inabalável de Johnny Knoxville pela segurança em nome da comédia foi uma atualização muito necessária sobre as alegrias estúpidas de estar vivo. As acrobacias são incríveis, mas, como sempre, o verdadeiro humor vem de assistir às reações vertiginosas de todos aos amigos em dor agonizante. A velha equipe de “Jackass” estava tão charmosa como sempre, e o filme ganha uma injeção de energia de um novo grupo de membros mais jovens do elenco que preenchem a lacuna entre as multidões da MTV e do TikTok. A química entre o elenco e o bom espírito esportivo de todos em sacrificar suas partes pelo bem da parte separam “Jackass Forever” da multidão de vídeos do YouTube relacionados a lesões por aí e o destacam como algo realmente especial. — CZ

39. “Escola do Rock” (2003)

Ninguém conseguiu aproveitar a energia maníaca de Jack Black como Richard Linklater, cuja primeira colaboração com o ator com inclinação musical resultou nesta performance definitiva. Doce, engraçado e cativante como o inferno, este filme cativante inspirou escolas de rock de verdade a se abrirem por todo o país e ensinarem a crianças impressionáveis ​​o poder do riff. Isso é uma boa notícia, já que algumas das lições mais importantes — como lembrar de tirar o led — não são encontradas em currículos normais. —MN

38. “Popstar: Nunca Pare, Nunca Pare” (2016)

Os caras da Lonely Island fizeram carreira fazendo filmes criminosamente ignorados, mas “Popstar: Never Stop Never Stopping” pode ser o mais criminosamente ignorado de todos. Estupidez total e sátira mordaz da cultura pop andam de mãos dadas neste falso documentário musical que pode facilmente dar a “This Is Spinal Tap” uma corrida pelo seu dinheiro. Andy Samberg faz uma performance comprometida como uma estrela pop egoísta, mas a verdadeira estrela do filme é a marca registrada de humor da Lonely Island. Seu estilo lindamente maníaco, piada por minuto, é tão engraçado aqui quanto era em “Hot Rod”, mas de alguma forma parece deprimentemente realista no mundo do filme de estrelas pop narcisistas com curtos períodos de atenção. O resultado é um longa-metragem que é tão engraçado quanto seus melhores esquetes do “SNL”, mas ainda se destaca como uma narrativa. E então você tem as músicas. Qualquer filme que lhe dê “Finest Girl (The Bin Laden Song)”, “Things in My Jeep” e, claro, “Incredible Thoughts” não só merece ser considerado uma das maiores comédias do século, mas também um dos seus maiores musicais. — CZ

37. “Quase Irmãos” (2008)

Chegando aos cinemas menos de um ano depois da história de “Walk Hard: The Dewey Cox”, “Step Brothers” consolidou ainda mais John C. Reilly como um dos talentos cômicos mais subestimados de Hollywood. Reilly se mantém firme contra o veterano cômico Will Ferrell nesta história de meio-irmãos de meia-idade em duelo. Mas não é uma competição. Ferrell e Reilly são uma combinação feita no paraíso da comédia, sua disputa juvenil se torna ainda mais engraçada pelo quão seriamente eles se comprometem com a imaturidade de seus personagens. Ferrell e Reilly interpretam o desenvolvimento interrompido sem piscar, de modo que você não pode deixar de se apaixonar por seus personagens ambiciosos e idiotas Brennan e Dale.

Mas o gênio cômico de “Step Brothers” vem de jogar esses dois atores no ringue com performances de Richard Jenkins, Mary Steenburgen, Adam Scott e a MVP da comédia Kathryn Hahn que colidem e realçam a comédia vinda de Ferrell e Reilly. Jenkins e Steenburgen não agem como se estivessem estrelando um filme de comédia, o que torna seus pais sofredores o perfeito contraponto cômico para Ferrell e Reilly. Kathryn Hahn é o oposto, sua Alice louca por sexo trazendo uma qualidade maníaca ao filme que na verdade suaviza a inanidade de Dale e Brennan. É esse poderoso conjunto cômico que faz de “Step Brothers” um clássico cult da comédia. —ZS

36. “O que fazemos nas sombras” (2014)

De muitas maneiras, Viago, Vladislav, Deacon e Petyr são como qualquer outro grupo de colegas de quarto malucos: eles brigam por tarefas, aproveitam as noites na cidade juntos, tentam transformar vítimas desavisadas em vampiros e lutam contra uma gangue de lobisomens itinerantes. Perdão? Essa é, claro, a grande alegria do mockumentary dolorosamente engraçado de Taika Waititi e Jemaine Clement: ele aborda sua ideia aparentemente boba – vampiros! que são meio idiotas e muito egocêntricos! – com total seriedade.

Tanto uma reviravolta deliciosa no formato de mockumentary (por que não usar um gênero literalmente obrigado a ser  falso para brincar com lendas clássicas que precisam de algumas provocações leves)? – quanto uma aula magistral de atuação cômica e espetada, “What We Do in the Shadows” é genial em todos os níveis. Caramba, este é um filme que faz uma piada sobre os interesses de alguém, incluindo “ser legal”, parecer profundamente boba e incrivelmente relacionável. Vampiros: eles são como nós, mas as habilidades cômicas de Waititi e Clement são cortadas de um tecido totalmente diferente. —KE

35. “Tucker & Dale Contra o Mal” (2010)

Enquanto Harold e Kumar estão fora para White Castle, Tucker e Dale estão lutando contra o horror inimaginável que é… eles mesmos? Dirigido por Eli Craig, a partir de um roteiro coescrito com Morgan Jurgenson, “Tucker & Dale vs. Evil” envia seus tropos de exploração caipira padrão com uma comédia de erros sobre dois caras amigáveis ​​do interior (Alan Tudyk, Tyler Labine) que resgatam uma jovem (Katrina Bowden) de um afogamento em um rio da Virgínia Ocidental. Infelizmente, os amigos da mulher rapidamente assumem que ela foi sequestrada pelos homens misteriosos e decidem ir atrás dos supostos captores. O resultado é uma farsa infeliz que é tão sangrenta quanto pateta. —AF

34. “Lady Bird” (2017)

A estreia de Greta Gerwig na direção de longas-metragens rendeu indicações ao Oscar por sua escrita e direção, e a atriz irlandesa Saoirse Ronan conseguiu sua terceira indicação ao Oscar como Christine “Lady Bird” Macpherson, uma abutre cultural ansiosa para escapar de sua Escola Católica de Sacramento. Ao explorar faculdades locais, sua mãe frustrada (Laurie Metcalf) deixa a adolescente tão louca que ela pula do carro em movimento. Tracy Letts é o pai triste e adorável de Lady Bird, enquanto Lucas Hedges e Timothee Chalamet são seus desafiadores envolvimentos românticos.

É a melhor comédia de relacionamento entre mãe e filha desde “Laços de Ternura”, mas a profundidade emocional que impulsiona o filme nunca está muito longe de uma risada bem merecida. O senso de timing cômico de Gerwig é impecável, desde a memorável sequência de pulos de carro de seus momentos iniciais até o final empolgante. — AT

33. “O filme Lego Batman” (2017)

Uma paródia maníaca que tira sarro dos clichês de filmes de super-heróis (e da sinergia corporativa que os alimenta) com sagacidade suficiente para vencê-los em seu próprio jogo, “The LEGO Batman Movie”, de Chris McKay, pega uma história clássica sobre “um homem adulto sem supervisão dando golpes de caratê em pessoas pobres fantasiadas de Halloween” e aumenta a solidão, a lagosta no micro-ondas e as referências a “O Senhor dos Anéis” até que ele se torne nada menos que “o maior órfão de todos os tempos”.

“The LEGO Batman Movie” usa a voz gutural de Will Arnett para espetar a seriedade que sempre ameaçou dominar o Cruzado Encapuzado. Como diz o meme: os homens realmente assistem “Jerry Maguire” sozinhos no cinema acima de sua Batcaverna e riem nas partes mais dramáticas antes de irem para a terapia. Este Bruce Wayne ri da ideia de amar outra pessoa porque, no fundo, ele sabe que teria muito medo de perdê-la. Para sua sorte, o Coringa aprecia a beleza de seu relacionamento de ódio-ódio, e quando Batman diz ao seu arqui-inimigo que ele não significa nada para ele, isso dá início a uma emocionante aventura de crescimento pessoal que resulta em nosso herói de nove abbed aprendendo que a vida é melhor quando é compartilhada.

Não faz mal que essa coisa seja tão densa com piadas que pode ser difícil processá-las todas na primeira vez; você teria que voltar ao lendário “Not Another Teen Movie” ou clássicos vintage da ZAZ como “The Naked Gun” para encontrar um filme tão abarrotado de piadas. E ainda assim, para todas as piadas sólidas, ainda há espaço suficiente entre as piadas para que a emoção real goteje. Quando a lenda da DC finalmente admite ao Coringa que ele é “a razão pela qual eu acordo às quatro da tarde e faço musculação até meu peito ficar positivamente enjoado”, é difícil dizer se você está rindo-chorando ou chorando-rindo. —DE

32. “Noite de Jogo” (2018)

Uma noite de jogo amigável para casais dá terrivelmente errado quando um verdadeiro mistério de assassinato se desenrola na frente dos cônjuges Max (Jason Bateman) e Annie (Rachel McAdams) e seus amigos, interpretados por Billy Magnussen, Lamorne Morris e Kylie Bunbury. Tudo começa quando o irmão mais velho de Max, Brooks (Kyle Chandler), inesperadamente invade o jogo mensal deles, e o vizinho policial intrometido Gary (Jesse Plemons) começa a perceber que um crime real pode estar acontecendo. “’Game Night’ é revigorantemente autoconsciente”, escreveu Steve Greene, do IndieWire, em sua crítica. “Para esse grupo de personagens com sensibilidades cômicas divergentes, certamente há risadas suficientes aqui para funcionar como cola para evitar que todas as partes esticadas se desintegrem.” — SB

31. “Doentes de Amor” (2017)

Emily Gordon e Kumail Nanjiani ganharam uma indicação de Melhor Roteiro Original por sintetizar seu romance verdadeiro e angustiante em uma comédia afiada e cativante sobre um namoro que começa com um choque cultural e sobrevive a um coma. Depois que Gordon e Nanjiani escreveram o roteiro como uma forma intensa de terapia de casal, o superprodutor Judd Apatow e o diretor Michael Showalter o moldaram e escalaram Zoe Kazan como a jovem que se apaixona por um comediante paquistanês-americano e motorista de Uber (Nanjiani). Quando ela é hospitalizada, seus pais (Holly Hunter e Ray Romano) aprendem a apreciar a afeição de seu amante torturado por sua bela adormecida antes que ela volte à vida. —AT

30. “Bloqueadores” (2018)

A comédia adolescente de classificação R e sexo positivo “Blockers” poderia ser comparada à versão feminina de “American Pie”. Mas o que é a “versão feminina de” qualquer coisa? A “comédia sexual inspirada” de Kay Cannon, como Eric Kohn do IndieWire escreveu, coloca tanta ênfase nos pais quanto nas crianças enquanto rastreia as múltiplas histórias em torno de um grupo de amigos na noite do baile de formatura. Leslie Mann, Ike Barinholtz e John Cena são pais que tentam impedir que suas filhas façam sexo na grande noite do último ano, mas seus adolescentes — interpretados por Kathryn Newton, Gideon Adlon e Geraldine Viswanathan — já fizeram um pacto para perder suas virgindades. “O comportamento obsessivo de seus pais revela mais sobre suas próprias inseguranças do que quaisquer perigos reais enfrentados por seus filhos”, escreveu Kohn. “É uma inversão inteligente da dinâmica usual da comédia sexual adolescente, porque ninguém realmente faz nada seriamente errado e, na maioria das vezes, as crianças estão bem. Percorremos um longo caminho desde a era de John Hughes: a política sexual de ‘Blockers’ foi mapeada tão cuidadosamente que é impossível atacar a obscenidade por cruzar uma linha. Mas isso é parte do ponto: os pais assumem o pior em parte porque não conseguem entender que adolescentes sexualmente carregados não estão realmente fazendo algo errado porque querem ir até o fim, e quando percebem que foram longe demais em sua missão, é tarde demais para recuar. Felizmente, nenhuma de nossas risadas precisa ser contida nesse meio tempo. — SB

29. “Vizinhos” (2014)

Assim como seu mestre Judd Apatow em “Freaks and Geeks”, “Ligeiramente Grávidos”, “Superbad” e “Segurando as Pontas”, Seth Rogen é um multitarefa: ele escreve, atua, produz e dirige. Ele e seu parceiro Evan Goldberg desenvolveram e produziram o atrevido “Neighbors”, do diretor Nicholas Stoller de “Forgetting Sarah Marshall”, uma comédia pastelão contemporânea bem construída coestrelada por Rogen e a estrela de “Missão Madrinha de Casamento”, Rose Byrne, como pais jovens e descolados com um bebê adorável. Eles nunca foram tão engraçados. Quando uma casa de fraternidade barulhenta dominada pelo musculoso líder Zac Efron se muda para a casa ao lado, os vizinhos inicialmente tentam se dar bem, mas logo se envolvem em uma guerra total. —AT

28. “Queime Depois de Ler” (2008)

Nunca subestime a habilidade de Brad Pitt, Frances McDormand, Richard Jenkins, Tilda Swinton, John Malkovich e George Clooney de interpretar imbecis adoravelmente atrapalhados. Esta comédia de aventura dos irmãos Coen, Working Title, elaborada com precisão, é construída sobre pessoas interpretando mal outras pessoas. É um enorme mal-entendido cósmico niilista: escandalosamente inesperado, chocante e hilário. —AT

27. “Criança Óbvia” (2014)

A escritora e diretora Gillian Robespierre criou esta comédia dramática indie de sucesso para os talentos da comediante de standup Jenny Slate, lançando as carreiras de ambas. Slate interpreta uma versão de si mesma, na verdade, e abraçou o dilema de sua personagem na tela: depois de fazer sexo entusiasmado com um cara uma noite, ela se vê grávida e considerando um aborto. Ao abordar um assunto tabu no filme, Robespierre e Slate acertam o tom: real, engraçado, esperançoso e romântico também. — AT

26. “Ó irmão, onde estás?” (2000)

Cheio de humor de milho e música de raiz sulista cativante, esta divertida adaptação dos irmãos Coen dos anos 1930 de “A Odisseia”, de Homero, acompanha uma gangue de prisioneiros idiotas fugitivos liderada pelo encantador de pomada Everett McGill (George Clooney), que tenta reconquistar sua esposa (estrela de “Arizona Nunca Mais”, Holly Hunter) cantando para ela se submeter. A trilha sonora mais vendida de T-Bone Burnett ganhou o Grammy de álbum do ano e o diretor de fotografia Roger Deakins recebeu uma indicação ao Oscar por suas alterações digitais pioneiras na paleta de cores deste filme da Working Title. Mas, como sempre, ajudar Clooney, Hunter, Tim Blake Nelson, John Turturro e John Goodman a ganhar as inúmeras risadas desta fábula sinuosa era o objetivo principal. —AT

25. “O Virgem de 40 Anos” (2005)

Tão suave quanto um saco de areia, o primeiro longa de Judd Apatow continua sendo seu melhor (desculpe, “Ligeiramente Grávidos”). A fórmula doce, mas vulgar, que ajudou a popularizar foi imitada inúmeras vezes na década e tanto desde seu lançamento, mas nunca totalmente replicada — a ingenuidade charmosa de Steve Carell ao lado da crueza improvisada de Paul Rudd, Seth Rogen e Romany Malco criaram um equilíbrio perfeito. Também: Catherine Keener, cuja presença calorosa ajudou a tornar isso mais do que apenas uma série de piadas improvisadas sobre pênis.  —MN

24. “Idiocracia” (2006)

Com a ascensão crescente de teóricos da conspiração e negadores da ciência, com o passar do tempo a sátira de Mike Judge, “Idiocracy”, está se tornando menos uma comédia de alto conceito e mais um roteiro para um futuro potencial para os Estados Unidos da América. É a presciência de seu conceito central — que quando o cara mais “comum” (Luke Wilson) em 2005 é enviado 500 anos no futuro, ele acaba sendo identificado como a pessoa mais inteligente viva graças a conglomerados corporativos que fazem lavagem cerebral nas massas — que permitiu que “Idiocracy” permanecesse no léxico cultural pop (e até começasse a se esgueirar para as manchetes de notícias). Mas essa presciência não deve ser confundida com perfeição, porque, apesar de todos os males sociais que previu (orgulho na ignorância, corporatocracia), o filme também tem uma propensão a socar para baixo. A grande sátira deve sempre ter como objetivo não apenas segurar um espelho para a sociedade, mas também “confortar os aflitos enquanto aflige os confortáveis”, e embora se desvie do último, muitas vezes “Idiocracia” nunca vacila em seu reflexo de parque de diversões da América. —LAG

23. “Harold e Kumar vão para o Castelo Branco” (2004)

Até onde você iria por alguns sliders? Em “Harold and Kumar”, um casal de maconheiros sentindo fome é tratado como uma odisseia de proporções épicas (e hilárias). O improvável início da franquia se tornou querido por entusiastas da cannabis, bem como por aqueles que não participam, inspirando os espectadores a Just Say Yes por mais de uma década; dados os avanços que a maconha (tanto medicinal quanto de outra forma) fez nos últimos anos, você poderia até dizer que o clássico cult estava à frente da curva. — MN

22. “Em Bruges” (2008)

Diretores irlandeses trazem o melhor do compatriota Colin Farrell. O dramaturgo e diretor Martin McDonagh fez sua estreia na direção de longas-metragens com esta comédia negra anárquica (e ganhou uma indicação ao Oscar por seu roteiro), dando a Farrell seu papel de comédia mais rico até agora como um assassino de aluguel comovente. O Ray de Farrell é docemente violento enquanto ele anda pela Bélgica sem graça com seu parceiro Ken (Brendan Gleeson), fazendo travessuras e caos enquanto busca um pouco de redenção. —AT

21. “Viagem das Garotas” (2017)

Há muito poder de estrela por trás de “Girls Trip”, incluindo o sempre lucrativo diretor Malcolm D. Lee e grandes nomes como Queen Latifah e Jada Pinkett Smith, mas é impossível negar sua maior revelação: a então novata Tiffany Haddish, que saiu não apenas com as melhores falas e momentos de humor físico da comédia, mas também com sua performance mais impressionante. O carisma rápido de Haddish define o tom do filme logo no início, oscilando entre ataques de comédia física (ninguém ataca um colega de elenco com tanto entusiasmo quanto Haddish) e maravilhosas frases de efeito que são tão chocantes quanto magistralmente entregues. Mais tarde no filme, Haddish serve o que provavelmente se tornará o melhor exemplo do cinema contemporâneo de como usar frutas para simular atos sexuais (desculpe, “American Pie”), uma sequência tão deliciosamente obscena que vale o preço do ingresso sozinho.

Essas risadas puras são mais do que suficientes para sustentar uma comédia tão cristalina que se tornou um clássico no minuto em que chegou às telas, já que “Girls Trip” acerta risada após risada, mesmo em meio a — e muitas vezes por causa de — questões dramáticas que não estariam fora de lugar em um filme da Lifetime. À medida que as garotas centrais do filme passam por toda a glória que o Essence Fest de Nova Orleans tem a oferecer, incluindo encontros com uma série de grandes talentos em um desfile aparentemente interminável de participações especiais (Diddy foge com a melhor, previsivelmente reforçada pelo envolvimento de Haddish) e pelo menos uma aventura totalmente mal concebida alimentada por absinto, “Girls Trip” mantém o ímpeto girando sempre para a próxima grande peça cômica. Mesmo que tudo termine com uma revelação comovente, isso não dilui suas sensibilidades mais estridentes; apenas deixa mais claro por que Lee e suas garotas devem transformar “Girls Trip” em uma franquia que pode gerar férias mais agitadas. —KE

20. “Não espere muito do fim do mundo” (2023)

O título promete uma comédia sombria, mas mesmo assim, você não estará preparado para o quão hilariamente cínico “Não Espere Muito do Fim do Mundo” é. O filme sombrio de Radu Jude acompanha um dia na vida de Angela (Ilinca Manolache), uma assistente de produção sobrecarregada em um estúdio de cinema romeno. Dirigindo por Bucareste enquanto entrevista candidatos para um vídeo de segurança no local de trabalho de uma fábrica, a própria Angela corre o risco de adormecer ao volante, pois as filmagens a obrigam a trabalhar 17 horas por dia. Ao longo de um luxuoso tempo de execução de 2 horas e 45 minutos, Jude usa a jornada de Angela para explorar a exploração da Romênia e a desolação de nossas vidas online com uma sagacidade mordaz e seca, mas o filme mistura sua sátira do capitalismo tardio de mente elevada com vídeos do TikTok parodiando Andrew Tate e uma participação especial do rei do shlock alemão Uwe Boll como ele mesmo. Ele chega a um final inesperado e hilário, que está entre as cenas mais engraçadas de qualquer filme. -BANHEIRO

19. “Superbad” (2007)

Michael Cera pode não ser realmente o garoto mais rápido vivo, mas o filme mais hilário dos anos 2000 sobre adolescentes sendo adolescentes foi um sucesso estrondoso do mesmo jeito. E não foi só McLovin que fez isso: o bromance de Cera e Jonah Hill foi tão genuinamente doce quanto surpreendentemente preciso para a maneira como os adolescentes falavam e se comportavam naquela época. (Como alguém que tinha 19 anos na época, estou mais qualificado para comentar sobre isso do que provavelmente deveria admitir.) —MN

18. “Equipe América: Polícia Mundial” (2004)

Durante a preparação para a invasão do Iraque, os cineastas Trey Parker e Matt Stone escreveram um filme de marionetes com classificação R que era uma desconstrução sofisticada dos clichês de filmes de ação de Jerry Bruckheimer como “Armageddon”. O enredo é simples: quando a equipe América descobre que o implacável líder norte-coreano Kim Jong Il está disseminando armas de destruição em massa, ela recruta um ator da Broadway para se juntar ao esquadrão policial internacional para ajudar a salvar o mundo. Esta comédia politicamente incorreta é sobre arrancar risadas explodindo conjuntos elaborados do Big Ben, das Grandes Pirâmides e da Torre Eiffel — bem como marionetes de 22 polegadas que lembram celebridades liberais francas como Janeane Garofalo, Tim Robbins e Michael Moore. “América: Foda-se, sim!” —AT

17. Verão americano quente e úmido (2001)

É difícil escolher a melhor piada no clássico cult de comédia de David Wain, principalmente porque essa paródia maluca de acampamento de verão não tira o pé do acelerador nem por um minuto. De uma reviravolta incrível nas implicações de tempo da montagem, a preparação para o pior (ou melhor?) show de talentos do mundo, a uma piada recorrente envolvendo o passado tenso de ninguém menos que Christopher Meloni como o cozinheiro assombrado do acampamento, cada piada cai com uma precisão cômica retumbante.

Agradeça a Wain e sua alegre banda de colaboradores, incluindo Michael Ian Black, Michael Showalter, Ken Marino e Joe Lo Truglio, além de estrelas cômicas perpétuas como Janeane Garofalo, David Hyde Pierce, Molly Shannon, Paul Rudd e Amy Poheler (e o elenco totalmente inesperado e profundamente inspirado de um jovem Bradley Cooper), por fazer esse ensopado de acampamento maluco funcionar tão bem quanto funciona. Nada está fora do lugar, mesmo as coisas que parecem realmente insanas — uma sub-sub-trama sobre os personagens de Garofalo e Pierce tirando um tempo para se aprofundar nas carreiras de nicho dos outros só fica mais engraçada com o tempo, as piadas sobre “Godspell” estão tão barulhentas como sempre. Você não precisa ser um ex-campista para apreciar suas piadas vertiginosas, mas não pode fazer mal. Capture a bandeira, alguém? —KE

16. “Walk Hard: A história de Dewey Cox” (2007)

À primeira vista, uma simples paródia do gênero biográfico musical que ficou famoso pela isca do Oscar de “Ray” e “Walk the Line”, “Walk Hard: The Dewey Cox Story” de Jake Kasdan eleva filmes de paródia menores graças à performance de bravura de John C. Really como o personagem-título. Mas a verdadeira estrela do show aqui é a incrível trilha sonora composta para o filme por Dan Bern e Mike Viola (entre outros) que satiriza o rock-and-roll desde seus dias de salada até os dias atuais. Músicas como “Walk Hard”, “Royal Jelly” e “Beautiful Ride” não são simplesmente chamadas para inserção nos catálogos de Johnny Cash, Bob Dylan e Glen Campbell, respectivamente, elas também são ótimas músicas que podem ser apreciadas livres de seu contexto referencial. Na verdade, talvez a música ali contida permita que “Walk Hard” fique na mesma prateleira dos filmes que parodia, e bem acima de alguns: (cof cof) “Bohemian Rhapsody” (cof cof). —LAG

15. “A Lagosta” (2015)

O que você arriscaria para finalmente conhecer a pessoa certa? Essa é a pergunta testada no estilo cômico negro como a noite de “The Lobster”: uma tragicomédia distribuída pela A24 sobre uma misteriosa instalação onde solteiros que não conseguem se casar são transformados em espécies diferentes. Ao lado de Rachel Weisz, Collin Farrell interpreta um homem que se inscreve no programa e decide se tornar uma lagosta antes de ter dúvidas. Yorgos Lanthimos dirige, a partir de um roteiro coescrito com Efthymis Filippou e indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original naquele ano. É uma meditação dolorosa sobre os traumas e crenças que nos impedem de nos conectar, com uma linha rebelde com Léa Seydoux que adiciona uma camada filosófica intrigante à fábula única — não para os fracos de coração. —AF

14. “Fogueira Quente”

Edgar Wright explodiu na consciência geek com o filme de zumbis de 2004 “Todo Mundo Quase Morto”, mas ele mostrou que era um talento que duraria com sua comédia policial. Desde Keystone Cops, o gênero foi construído em torno de policiais desajeitados e ineptos, então a escolha de Wright para “Hot Fuzz” o tornou engenhoso: o policial de Simon Pegg é extremamente competente. Competente a ponto de ser ameaçador para seus superiores da Polícia Metropolitana (uma meta hierarquia de Martin Freeman, Steve Coogan e Bill Nighy), o londrino é banido para um interior de Gloucestershire. Ainda bem porque uma onda de assassinatos atinge a cidade e Pegg tem que inspirar seus novos colegas policiais do interior (Nick Frost, Olivia Colman, Paddy Considine et al) para resolver o crime.

Para os ianques que assistiram a “Hot Fuzz” quando foi lançado, o comentário cultural sobre a vida urbana vs. rural inglesa pode ter sido surpreendente, seus moradores de vilarejos tão armados quanto qualquer apoiador da NRA nos Estados Unidos. Pós-Brexit, “Hot Fuzz” praticamente soa como uma profecia. Que tudo isso é tão engraçado enquanto ser um policial de barril de fumo é encantador. Este é um filme com sátira do calibre de Iannucci que também é generoso o suficiente para celebrar “Bad Boys II” e a estética de Michael Bay. A merda ficou irreal (quão bom “Hot Fuzz” é).  —CB

13. “MacGruber” (2010)

A paródia de “MacGyver” de Will Forte no “Saturday Night Live” rendeu a ele um filme de paródia e até mesmo uma série spin-off do Peacock — e não há mistério do porquê. A colaboração contínua de Forte com o roteirista e diretor Jorma Taccone, junto com Kristen Wiig e Ryan Phillippe, prova ser o equilíbrio perfeito entre humor pastelão sincero e de olhos arregalados, com um mistério para começar. “Este foi provavelmente um dos meus piores argumentos de venda de todos os tempos”, brincou Forte durante a apresentação do SXSW de 2020, sobre o primeiro argumento de venda do showrunner do “SNL”, Lorne Michaels, na paródia. “Acho que foi algo como, ‘MacGruber, que desintegra bombas usando apenas pedaços de merda e pelos pubianos.’ E eu acabei de receber o pior gemido… então o fato de estarmos sentados aqui é notável.” — SB

12. “Meninas Malvadas” (2004)

Olhando para “Meninas Malvadas” 17 anos após seu lançamento, é impressionante a quantidade de talento que a roteirista Tina Fey e o diretor Mark Waters descobriram. Lindsey Lohan já era a realeza adolescente, mas o filme colocou Rachel McAdams, Amana Seyfried e Lizzy Caplan no mapa. E não é só que esses novos rostos tinham habilidades cômicas de primeira (as falas estúpidas e cabeça de vento de Seyfried a tornaram uma favorita instantânea, e quem pode esquecer os boletins meteorológicos de Karen Smith?), eles trabalharam duro para cortar os estereótipos dos personagens de gênero de estoque que estavam interpretando. Janis Ian de Caplan e Damian de Daniel Franzese são o caso perdido e o melhor amigo gay, respectivamente, mas suas performances pegam as inclinações cômicas tradicionais da comédia adolescente e as preenchem com vulnerabilidades genuínas sobre a maioridade nos campos de batalha do ensino médio.

O roteiro de “Meninas Malvadas” de Tina Fey é engraçado sem esforço, mas o que torna o filme verdadeiramente atemporal tem mais a ver com a habilidade dos atores de encontrar as notas de graça humana em meio às travessuras absurdas do ensino médio (Kälteen Bars, alguém?) e frases de efeito clássicas instantâneas (“Isso é tão atraente”). É uma comédia de ensino médio com humor de gênero amplo e percepção específica sobre ansiedades adolescentes e, por isso, resiste ao teste do tempo. —ZS

11. “Quatro Leões” (2010)

A estreia de Chris Morris na direção, “Four Lions”, é uma sátira jihadista repleta de comentários religiosos e sociais, performances incríveis e comédia tão sombria que deveria chegar acompanhada de uma lanterna (nada de novo para os fãs do trabalho de Morris em “The Day Today” e “Brass Eye”). Coescrito por Morris, junto com Sam Bain (“Peep Show”) e Jesse Armstrong (“Succession”), “Four Lions” se concentra em um grupo de terroristas fanáticos e aspirantes que se autodenominam “Estado Islâmico de Tinsley” em Sheffield, Inglaterra. Cheio de batidas de comédia divertidas (e, às vezes, bastante amplas), o ingrediente secreto do filme são as performances centrais de Riz Ahmed, Kayvan Novak e Nigel Lindsay, que servem para sempre enraizar o humor com o coração. E é a credibilidade desses relacionamentos que torna este um daqueles filmes raros que podem fazer você rir e chorar ao mesmo tempo. —LAG

10. “Elfo” (2003)

Os primeiros anos 2000 foram uma celebração da obscenidade na comédia tanto quanto os anos 80, então que delícia que uma das melhores risadas deste novo século não seja apenas familiar, mas tão doce. Ou como Buddy, de Will Ferrell, um humano que rastejou para dentro da bolsa do Papai Noel quando bebê e foi criado como um elfo no Polo Norte, poderia dizer: é tão doce quanto “um rolo inteiro de massa de biscoito Toll House!” Buddy deixa o Polo Norte, que parece um especial de stop-motion de Rankin-Bass que ganhou vida, para procurar seu pai nova-iorquino (James Caan), que está muito na lista de travessuras do Papai Noel.

O resultado é uma comédia de peixe fora d’água que brilha como enfeites de Natal. É citável como as melhores comédias — “Você se senta em um trono de mentiras”, Buddy diz a um Papai Noel de loja de departamentos que ele sabe que é um impostor — mas sua história é estruturada como uma jornada épica com tanta emoção (para não mencionar a construção de mundo) que você pode ver como seu diretor Jon Favreau estaria preparado para dirigir os sucessos de bilheteria que ele tem em seu rastro. —CB

9. “A Morte de Stalin” (2017)

A primeira obra adaptada de Armando Iannucci leva a sátira burocrática vulgar de “Veep” e “In the Loop” para a União Soviética, com todas as reviravoltas deliciosas e desagradáveis ​​que você pode imaginar. Adaptando um cenário de Fabien Nury e a graphic novel de Thierry Robin, o filme se desenrola contra o tumultuado cenário de 1953, quando a morte repentina de Stalin cria uma luta de poder ridícula entre os políticos horríveis e vingativos deixados para resolver o governo que ele deixou para trás (e também a perseguição). Steve Buscemi lidera um elenco extraordinário de atores (sem sotaque) que apreciam a oportunidade de lançar o diálogo combativo de Iannucci e as explosões vulgares em uma espiral autodestrutiva deliciosa.

No entanto, Iannucci nunca adoça a natureza dos vilões que ele assume como seus protagonistas; se alguma coisa, o final sombrio fornece um lembrete convincente de que mesmo os líderes mais malucos são mais do que apenas piadas quando vidas reais estão em jogo. Ainda assim, embora o filme contenha detalhes de época notáveis, “A Morte de Stalin” tem mais em comum com os irmãos Marx do que qualquer coisa sobre o período em que se passa: é “Canja de Pato” com ditadores. — EK

8. “Along Came Polly” (2004)

Jennifer Aniston e Ben Stiller lideram esta comédia romântica de 2004 criminosamente subestimada do escritor/diretor John Hamburg. Quando um ajustador de seguros nervoso (que acabou de descobrir que sua futura ex o traiu durante a lua de mel) conhece um garçom de bufê de espírito livre, a dupla improvável embarca em uma jornada de namoro difícil, mas fácil de torcer, tão estrondosamente engraçada quanto sincera e doce. Há uma química borbulhante entre Polly Prince e Reuben Feffer, e “Along Came Polly” apoia essa estranheza estranhamente inebriante com um mundo tão rico, divertido e incomum. Claude, o instrutor de mergulho! Os pais bizarros de Reuben! Rodolfo, o furão (cego)! Sem mencionar a inesquecível atuação do falecido Philip Seymour Hoffman como a melhor amiga de Reuben, Sandy Lyle: um dos papéis mais engraçados do ator de todos os tempos.

“Along Came Polly” não foi especialmente popular no lançamento, e o filme continua a dividir entre os amantes típicos de comédias românticas por seu humor grosseiro. Ainda assim, reduzir essa comédia complexa e original aos seus momentos mais vulgares (é verdade, a cena do basquete é horripilante ) é perder seus oceanos de escrita brilhante e charme de meados dos anos 2000. Por outro lado, apreciá-lo pelo que ele é — um romance fora da caixa que nos deu Ben Stiller dançando salsa e Jennifer Aniston interpretando um tipo Rachel Greene ainda mais infeliz, agora com um novo senso de descolado — é ser verdadeiramente feliz. Feliz como um hipopótamo. —AF

7. “Anchorman: A Lenda de Ron Burgundy” (2004)

“Anchorman: The Legend of Ron Burgundy” é uma das comédias definidoras dos anos 2000 que fica muito mais inteligente com o tempo. O ridículo cartunesco de Will Ferrell é sempre irresistível para adolescentes, mas o roteiro de Adam McKay e as habilidades de improvisação de estrelas do elenco contribuem muito para fazer com que “Anchorman” tenha muito mais em mente do que aparenta. A sátira do filme ataca a misoginia corporativa enquanto cria personagens que permanecem adoráveis ​​porque a energia boba nunca vacila. E quão contagiante é essa energia boba. Ferrell e os colegas de elenco Paul Rudd, Steve Carell e David Koechner têm uma química cômica para as eras, as personalidades de seus personagens se chocam para entregar uma risada atrás da outra.

Há trechos de “Anchorman” (uma festa selvagem na piscina, por exemplo) em que as piadas caem a mil por hora e não param por um segundo, e há cenas tão insanas (a gravidez do panda) que é difícil não se maravilhar com McKay e sua equipe por se comprometerem tão diretamente com a loucura de tudo isso. É isso que torna “Anchorman” uma ótima comédia: um comprometimento de todo o elenco com o tom.  —ZS

6. “Força Maior” (2013)

Em uma década que esfolou a insegurança masculina branca em público, o estudo perversamente hilário de Ruben Östlund sobre a masculinidade em crise assumiu um lugar natural como uma das comédias definitivas do nosso tempo. Logo a partir do famoso incidente incitante deste filme — no qual um pai chamado Tomas (Johannes Bah Kuhnke) instintivamente abandona sua esposa Ebba (Lisa Loven Kongsli) e seus dois filhos durante uma avalanche de alarme falso em um resort de esqui — a existência confortável da família de classe média alta é virada de cabeça para baixo para sempre. Aninhada dentro de longas tomadas kubrickianas perversas, a coreografia astuta de Östlund e as situações dignas de vergonha anunciaram a chegada de um grande contador de histórias cinematográficas que não tem medo de cavar seus personagens em buracos tão profundos que eles não têm escolha a não ser tentar sair por conta própria. Cada cena deste filme se aprofunda cada vez mais na verdade inquietante de que a reação de Tomas não foi simplesmente um ato primitivo isolado, mas algo muito mais primitivo e perverso. O resultado é um bufê profano de humor indutor de contorções, mas que é construído sobre um reservatório escuro de empatia real. Östlund leva a sério a armadilha crescente em que a família se encontra, e é a maneira como Ebba é forçada a reequilibrar a equação de gênero que faz de “Força Maior” um dos exames mais profundos e inflexíveis da masculinidade desta década. — CO

5. “Missão Madrinha de Casamento” (2011)

Que delícia:  garotas  também podem ser safadas. As primeiras críticas ao sucesso de bilheteria de Paul Feig focaram na natureza suja e vulgar do filme, usando termos como “rude e bruto” e “exuberantemente obsceno” e “sem medo de misturar mulheres com humor escatológico” para expressar todo o escopo da aparente depravação do filme. Mas enquanto “Missão Madrinha de Casamento” desencadeou um humor escatológico de arregalar os olhos (de mulheres! de todas as pessoas! meu Deus!) nas massas, em sua maioria desavisadas, também não se esquivou de algo muito mais confuso e muito mais engraçado: emoção humana real.

Embora as maiores risadas do filme — sim, muito divertido — certamente venham de cenas envolvendo acidentes no banheiro e um incidente particularmente horrível com uma fonte de chocolate, o filme de Feig também apresentou segmentos dolorosamente honestos sobre amor e, talvez o mais satisfatório, amizade feminina. Annie, de Kristen Wiig, é submetida a infinitas pequenas tragédias e pequenas indignidades ao longo do filme (a menor das quais envolve banheiros ou fontes), muitas delas distribuídas pela Helen delirantemente envolvida de Rose Byrne, decidida a fugir com a melhor amiga de Annie, Lilian (Maya Rudolph), e ainda mais delas vindo das mãos da bem-intencionada Lilian, que não tem consciência do quanto está machucando sua amiga já ferida.

Isso pode não parecer  engraçado , mas é algo melhor: é verdade, e muito da comédia está enraizada em minerar autenticidade e honestidade e ainda encontrar algo para rir no processo. A equipe de “Bridesmaids” faz tudo isso parecer fácil.  —KE

4. “Todo Mundo Quase Morto” (2004)

Esta comédia de ação ácida apresentou uma combinação vencedora: os companheiros de treino Simon Pegg e Nick Frost e o mestre do estilo Edgar Wright, que idealizou o roteiro com Pegg. Ele interpreta um sujeito triste que acaba sendo mais corajoso e hábil em matar mortos-vivos do que ele jamais imaginaria. E ele fica com a garota. Mais colaborações da Working Title se seguiram, mas a primeira vez foi o charme: misture um romance britânico espirituoso e um festival de zumbis sangrentos, e a hilaridade se instala.  —AT

3. “O Melhor da Exposição” (2000)

Não chega a 11, mas o relato de Christopher Guest sobre uma exposição de cães latindo loucamente ainda é o melhor falso documentário já feito sobre qualquer coisa além de uma banda de rock obcecada por Stonehenge. O similar “Mascots” foi engraçado o suficiente, mas serviu principalmente para lembrar aos espectadores o que é uma realização única “Best in Show” — a linha entre rir com e desses personagens pode ser tênue, já que Guest nos torna queridos por seu conjunto, mesmo quando zomba deles, mas pelo menos nunca paramos de torcer pelos doggos. 12/10 assistiria.  —MN

2. “Borat” (2006)

Se “Bruno” e “O Ditador” nos ensinaram alguma coisa, é que “Borat” foi realmente um raio em uma garrafa. O experimento social de longa-metragem de Sacha Baron Cohen irritou quase tantas pessoas quanto encantou, o que certamente agradou o provocador destemido (mesmo que Pamela Anderson parecesse bastante perplexa com toda a experiência). Além disso, quando foi a última vez que uma comédia foi creditada por trazer de volta um retorno tão hilariamente idiota quanto “…não!”, e muito menos aumentar o turismo no Cazaquistão?  —MN

1. “Toni Erdmann” (2016)

O momento em que Toni Erdmann se revela pela primeira vez é uma das maiores entradas de todos os tempos que provocam gargalhadas. Peter Simonischek interpreta o personagem-título, na verdade apenas o alter ego cômico de um homem de 70 anos que espera se reconectar com sua filha adulta, Ines (Sandra Hüller). Ela está vivendo uma vida vazia de workaholic e que melhor maneira de injetar um pouco de diversão em sua vida do que se vestir como outra pessoa e pregar peças nela? É literalmente um plano baseado em “diversão forçada”, mas isso não quer dizer que não seja eficaz. Ines é uma das várias executivas alemãs que trabalham para terceirizar as principais operações de sua empresa para a Romênia, e grande parte do filme de Marin Ade se passa no país do Leste Europeu.

Para um filme tão leve, ele tem mais do que pouco a dizer sobre a globalização e seus descontentamentos. Ines tipifica uma mentalidade de colarinho branco onde tudo, para usar o jargão empresarial, se tornou tão “sem atrito” que até mesmo sua massagem — da qual ela sai por ser muito suave — também não tem sentido. Ade entregou uma comédia do capitalismo do século XXI, uma digna herdeira de “The Apartment” e “Playtime”, que mostra como o humor é a força vital, o ingrediente-chave para enfrentar nossas vidas e passar o dia. “Toni Erdmann” não é apenas cheio de algumas risadas estridentes de todos os tempos. É um filme sobre por que precisamos de risadas. Isso o torna não apenas a melhor comédia do século XXI, mas a comédia mais do século XXI. —CB