Os 10 filmes mais originais de todos os tempos – Taste of Cinema – Críticas de filmes e listas de filmes clássicos

Ao contrário da crença popular, ainda há, de fato, uma grande quantidade de filmes totalmente originais sendo feitos hoje que realmente tentam quebrar o molde e continuam a empurrar os limites em vez de simplesmente pegar carona nos seus antecessores, descaradamente reembalando ideias e enfiando os mesmos velhos clichês de Hollywood goela abaixo. Mas o grande volume de títulos atualmente disponíveis no cenário de cinema e streaming pode fazer com que encontrar filmes genuinamente únicos que se destaquem por si só seja uma tarefa difícil.

Para ajudar, reunimos 10 filmes que são completamente distintos em seus diálogos, caracterização, layout narrativo, exploração de temas e/ou apresentação formal e não aderem a nenhum conjunto estrito de regras com as quais nos acostumamos. De festivais de terror psicodélico a joias de vanguarda prontas para reavaliação, os títulos a seguir tomam a medida completa das possibilidades ilimitadas da forma e, por algumas horas de cada vez, nos lembram do que o cinema é capaz de fazer no seu melhor.

1. Casa (1977)

Espíritos malignos, cabeças flutuantes, um gato doméstico demoníaco, melancias possuídas e um piano carnívoro são tudo parte do roteiro da extravagância descaradamente exagerada e deliciosamente maluca de Nobuhiko Obayashi — um ataque total aos sentidos de 88 minutos de duração que rapidamente alcançou status de cult após seu lançamento nos Estados Unidos e perdura até hoje como um rito de passagem para cinéfilos ocidentais, aficionados do cinema japonês e colecionadores de Blu-Ray boutique amantes da Criterion.

Raramente uma experiência de cinema te engole por inteiro, mas há uma razão pela qual esse sonho febril de casa mal-assombrada e estrondoso sobre seis colegiais japonesas hospedadas em uma casa de campo isolada é o primeiro título que tantas pessoas pensam quando ouvem a frase “cinema experimental”. Se você não tem certeza se deve rir, gritar ou chorar de desespero a cada momento, não se preocupe: deixar a coisa toda te dominar em vez de tentar compreender o que exatamente está acontecendo em um dado momento é uma grande parte do que torna o cinema “House” de Obayashi o mais desequilibrado.

2. A Montanha Sagrada (1973)

Se você escolhesse aleatoriamente e assistisse a um título da filmografia de Alejandro Jodorowsky, é provável que acabasse usando o termo “único” para descrever o que acabou de ver, seja seu faroeste ácido de 1970 “El Topo”, o show de horrores carnavalesco de 1989 “Santa Madre” ou seu canto do cisne autobiográfico de 2013 “Endless Poetry”. O fato de que mesmo sua obra mais notoriamente bizarra pareça acessível e pitoresca quando comparada à sua obra-prima indiscutível, o favorito cult de 1973 “The Holy Mountain”, é apenas uma indicação de quão alto o padrão foi estabelecido.

Dos espectros horríveis do colonialismo ocidental sendo reencenados por sapos astecas e rãs conquistadoras, rituais espirituais onde fezes humanas se transformam em ouro de alguma forma, até soldados mutilados com máscaras de gás dançando com civis e rezando em um altar de mil testículos — nada pode realmente prepará-lo para o ataque de imagens surreais, religiosas e escandalosas em exibição.

Apenas em um nível visual, “The Holy Mountain” é garantido para te surpreender e recompensar seu tempo. Mas cave um pouco mais fundo abaixo da vaga aparência de uma história sobre uma figura semelhante a Cristo baseada no Louco do baralho de cartas de Tarô através de seu caminho de iluminação espiritual, e há uma mensagem surpreendentemente perspicaz e convincente aqui sobre a influência corruptora da ganância no espírito humano. Definitivamente vale a pena assistir, mas talvez não seja a melhor maneira de começar um primeiro encontro.

3. A Cor das Romãs (1969)

“Cada quadro é uma pintura” pode muito bem ter se tornado a frase de efeito mais nauseante e usada em demasia na crítica cinematográfica para falar liricamente sobre qualquer filme que esteja um pouco acima da média ou melhor no quesito visual, mas a visão não convencional de Sergei Parajanov sobre a vida e a época do renomado poeta e músico armênio do século XVIII Sayat-Nova merece totalmente a distinção.

Um favorito do diretor Martin Scorsese, que foi originalmente banido pelas autoridades soviéticas por sua radical subversão da narrativa tradicional em favor de uma coleção impressionista de visuais abstratos, iconografia indelével, tomadas extremamente longas e cenários estáticos que se inspiram em poesia, dança, música, folclore armênio e arquitetura, “A Cor das Romãs” é um banquete para os olhos que mudará sozinho sua visão do cinema.

A estrutura narrativa pouco ortodoxa, tal como é, reconta os principais estágios da vida de Sayat-Nova, desde sua infância e vida como artista e padre até sua perseguição e morte. Pode parecer um filme de comédia intelectual comum para o qual seu professor de cinema pode pedir que você escreva uma redação, mas, na verdade, o filme é tão majestoso, hipnotizante e esteticamente sublime que você simplesmente não consegue tirar os olhos da tela.

4. Mulholland Drive (2001)

Dadas suas credenciais como o principal surrealista populista do cinema, é lógico que o nome de David Lynch deveria se tornar um termo genérico para todo filme não convencional que por acaso apresente elementos surreais ou lógica onírica. Mas no último meio século, nenhum filme chegou mais perto de destilar as profundezas mais obscuras do subconsciente em celuloide do que “Mulholland Drive” — uma história de amor na cidade dos sonhos (como diz o slogan oficial), um marco no cinema americano contemporâneo e, sem dúvida, o auge da obra de Lynch.

Feito a partir de pedaços de um piloto abandonado de 94 minutos de uma série da ABC que nunca foi ao ar, esta visão espelhada e rachada da fábrica de sonhos de Los Angeles recorre a todos os tipos de tropos clássicos do noir para atrair os espectadores de cabeça para a paisagem mental fragmentada da estrela loira Betty Elms (Naomi Watts, em seu papel de destaque) antes de cair em uma fantasia imaginária que realiza desejos e mantém você no escuro até que ela se dobra sobre si mesma e deixa você com uma vontade desesperada de cair na toca do coelho mais uma vez.

Por vezes desconcertante, sensual, de partir o coração, morbidamente engraçado e totalmente alucinante, cerca de 23 anos depois, “Mulholland Drive” continua diferente de tudo o que veio antes ou depois.

5. Adeus, Dragon Inn (2003)

Muito antes de nomes como Quentin Tarantino (“Era uma Vez… em… Hollywood”), Paul Thomas Anderson (“Pizza de Alcaçuz”) e Steven Spielberg (“Os Fabelmans”) decidirem contribuir e explorar suas próprias experiências cinematográficas em sinceros hinos à alegria comunitária de ir ao cinema, um dos maiores praticantes do cinema lento em Tsai Ming-liang já havia dado praticamente a palavra final sobre o assunto quando o novo milênio chegou.

Com apenas uma dúzia de linhas de diálogo e se desenrolando sem pressa no ritmo glacial característico de Tsai, “Goodbye, Dragon Inn” é uma celebração da cinefilia diferente de qualquer outra, uma carta de amor íntima, mas épica, ao cinema que realmente consegue evocar toda a amplitude de emoções que advêm da experiência da poesia em movimento a 24 quadros por segundo, sentado entre estranhos em enormes salas escuras.

O filme se despede de uma era há muito perdida e, afinal, leva o título do clássico de artes marciais de 1967 dirigido por King Hu (uma atração imperdível para fãs de kung fu), que está sendo exibido pela última vez no histórico Fu-Ho Grand Theatre de Taipei antes de seu fechamento, enquanto testemunhamos as vidas de vários funcionários e atendentes se cruzarem de maneiras inesperadas.