Os 10 filmes favoritos de Ingmar Bergman – Taste of Cinema – Críticas de filmes e listas de filmes clássicos

Uma das vantagens de ser um dos cineastas mais brilhantes a pegar uma câmera é que você não precisa adoçar sua opinião sobre ninguém no ramo. Se havia algo consistente com Ingmar Bergman é que, quando se tratava de julgar o trabalho de seus colegas, ele nunca guardava uma opinião para si mesmo — para o bem ou para o mal. Ele não mordia a língua nem mesmo ao condenar alguns dos diretores mais celebrados de seu tempo — Alfred Hitchcock “completamente infantil” e Orson Welles uma “farsa total”.

Mas, por meio de sua franqueza sem filtros, os elogios de Bergman soaram mais verdadeiros do que os de qualquer outro diretor, especialmente ao defender outros filmes, o que ele também não hesitou em fazer. Por mais controversas que suas opiniões possam ter sido, uma coisa é indiscutível — você teria dificuldade em encontrar uma autoridade maior no assunto do que Bergman, que não só era um gênio, mas um cinéfilo fervoroso, bem versado na história da sétima arte.

Durante o Festival de Cinema de Gotemburgo em 1994, o mestre sueco pessoalmente fez a curadoria de uma lista com seus dez filmes favoritos de todos os tempos. Todos foram reunidos aqui — a maioria das entradas são clássicos genuínos, alguns autoexplicativos e outros bastante surpreendentes. Sem mais delongas, vamos mergulhar e dar uma olhada em dez filmes abençoados com o selo de aprovação de Ingmar Bergman.

1. Andrei Rublev (1966)

“Tarkovsky é para mim o maior, aquele que inventou uma nova linguagem, fiel à natureza do cinema, pois captura a vida como um reflexo, a vida como um sonho.”

Indiscutivelmente, nenhum diretor jamais alcançou as alturas de Andrei Tarkovsky — frequentemente lançado contra Bergman como dois gigantes inigualáveis ​​do meio que também eram ídolos um do outro. “Ele se move com tanta naturalidade na sala dos sonhos. Durante toda a minha vida, eu martelei as portas das salas em que ele se move tão naturalmente.” Assim como Bergman, o autor soviético lutou longamente com suas próprias preocupações religiosas e metafísicas por meio de seu trabalho — deixando uma série de obras-primas contemplativas e perspicazes.

Neste épico histórico, Tarkovsky reconta os esforços espirituais de um pintor de ícones do século XV — capturando perfeitamente o poder da arte como a maior fonte de esperança e inspiração conhecida pela humanidade. Atormentado por invasões estrangeiras e turbulência política, Rublev luta para seguir seu caminho, sobrecarregado com seu talento e consumido por seu trabalho antes de ser encorajado pelas obras de um artista mais jovem.

“De repente, me vi parado na porta de uma sala cujas chaves, até então, nunca tinham me sido dadas”, disse Bergman sobre a primeira experiência com o filme. “Eu me senti encorajado e estimulado: alguém estava expressando o que eu sempre quis dizer sem saber como”.

2. Rashomon (1950)

“Eu amo e admiro Tarkovsky e Fellini. Mas também sinto que Tarkovsky começou a fazer filmes de Tarkovsky e Fellini começou a fazer filmes de Fellini. No entanto, Kurosawa nunca fez um filme de Kurosawa.”

Se há um denominador comum que une a extensa obra de Bergman, é o cinismo inerente — se não o niilismo absoluto — que permeia a maioria de seus filmes. Como diretor, ele repetidamente refletiu seu próprio medo existencial e amargura em ruminações sombrias sobre fé, morte e violência. Bergman era, acima de tudo, obcecado em encontrar uma verdade sempre elusiva que pudesse apagar todas as suas dúvidas internas.

A verdade, ou a falta dela, está no centro deste clássico atemporal do mestre japonês Akira Kurosawa. Uma história é contada por quatro pontos de vista diferentes — cada um contradizendo o anterior. Um samurai é assassinado e sua esposa presumivelmente estuprada por um bandido. Ao ouvirmos quatro personagens diferentes relatarem a tragédia, ficamos com um conjunto não confiável de evidências e falta de encerramento. De quem é a história? O termo “efeito Rashomon” desde então ganhou seu lugar no léxico cultural, nos convidando a questionar a objetividade da verdade e os preconceitos inerentes que obscurecem nosso julgamento.

Bergman deveria colaborar com Kurosawa (e Fellini) em um filme antológico, mas este último não pôde deixar o Japão devido à sua saúde e o projeto foi cancelado. Ainda assim, a influência de Kurosawa pode ser sentida em algumas de suas obras, especialmente The Virgin Spring. “Agora, quero deixar claro que Virgin Spring deve ser considerado uma aberração. É turístico, uma péssima imitação de Kurosawa. Naquela época, minha admiração pelo cinema japonês estava no auge. Eu era quase um samurai!”

3. Na rua (1954)

“Dirigir é mais divertido com mulheres. Tudo é.”

Ingmar Bergman não pode ser compreendido sem suas musas. Em uma indústria centrada no homem, nenhum diretor — pelo menos um de sua estatura — defendeu as mulheres tão completamente quanto ele. O sueco sempre se esforçou para criar personagens femininas atraentes com personalidades complexas e desenvolvidas, aquelas que, em última análise, se destacavam em vez de servir como meras companheiras de seus colegas homens. De Liv Ullmann, Bibi Andersson e Ingrid Thulin, Bergman teve o privilégio de trabalhar com uma escalação embaraçosamente empilhada de atrizes que as trouxeram à vida com maestria.

Cortesia de outro diretor de todos os tempos — um nascido e criado nas alturas do Neorrealismo Italiano — La Strada é ancorado pela presença encantadora de Giulietta Masina (colaboradora comum e esposa de Federico Fellini). Sua personagem trágica está condenada a suportar abusos e dificuldades constantes após ser comprada por um homem forte de circo desconsiderado. Encontrar o propósito de seu sofrimento e seu dever como artista prova ser a espinha dorsal emocional do filme — um tema que facilmente ressoou com Bergman, que não é estranho a retratar seus esforços espirituais.

“Tenho uma grande admiração por Fellini. Ele é enormemente intuitivo, o calor de sua mente criativa o derrete. Ele está queimando por dentro com tanto calor. Sinto uma espécie de contato fraternal com ele, dizem que ele fica encantado com meus filmes. A experiência é mútua.”

4. Crepúsculo dos Deuses (1950)

Após a Segunda Guerra Mundial, Hollywood — que antes detinha a hegemonia inquestionável do cinema — perdeu qualidade devido ao sistema de estúdios moribundo que ostracizou talentos em favor da convencionalidade e do escapismo comercial — uma crise da qual não se recuperaria até o início dos anos 70.

Isso criou um vácuo de poder que deu espaço para o resto do mundo alcançá-lo. Em uma época em que artistas de todo o mundo como Fellini, Antonioni, Kurosawa ou Bresson — sem mencionar o próprio Bergman — continuaram a empurrar a fronteira do cinema como arte com obras-primas inovadoras, a América se viu completamente eclipsada e ultrapassada.

Sunset Boulevard parece um canto de cisne perfeito — um último clássico pertencente à Era de Ouro da América. Apropriadamente, o filme de Billy Wilder acompanha uma ex-atriz da era do cinema mudo que se recusa a aceitar seu próprio crepúsculo. Completamente desligada da realidade, ela se isola dentro dos limites de sua luxuosa mansão como se estivesse presa para sempre no passado. Há uma sensação de decadência em toda a cidade de Los Angeles, como um império à beira do colapso, ainda ansiando por uma era há muito perdida. A máquina implacável que a mantém viva reivindica outra vítima e — como é o caso da maioria das estrelas de cinema — a condena a viver o resto de sua vida na obscuridade.

5. A Carruagem Fantasma (1921)

Sem dúvida, nenhum filme teve um impacto maior em Bergman, tanto quando criança quanto mais tarde como cineasta, do que o clássico mudo de Victor Sjöjström. O sueco se apaixonou pelo filme quando adolescente, depois que seu pai — um pastor luterano — o exibiu para sua classe de confirmação. Bergman se lembrava dele com carinho como “uma das grandes experiências emocionais e artísticas da minha vida”. Mais tarde, como um aspirante a diretor, ele caçou e comprou uma cópia rara de 16 mm do filme e começou a assisti-lo religiosamente anualmente.

Temas de culpa, ódio e morte, todos fortemente apresentados na obra de Bergman, também podem ser encontrados em The Phantom Carriage. A maior inspiração vem na forma do ceifador empunhando uma foice que aparece indiferentemente para aqueles à beira da morte — praticamente espelhando aquele que Antonius Block desafia para uma partida de xadrez em The Seventh Seal. O filme se passa como uma versão reimaginada de A Christmas Carol — seguindo David Holm, um homem amargo e autodestrutivo cheio de ódio após ser abandonado por sua esposa.

Sjöjström serviu como uma figura mentora chave para Bergman, mostrando-lhe as cordas e mais tarde estrelando dois de seus filmes, incluindo Morangos Silvestres. “Conhecer Victor — primeiro por meio de suas fotos e depois conhecendo-o pessoalmente — foi para mim uma tremenda experiência pessoal.”