Jackie Winsor, Escultor de Arte Misteriosa e Trabalhosa, Morre aos 82 Anos

Jackie Winsor, uma escultora cujas peças meticulosamente trabalhadas de tijolos, madeira, cobre e cimento parecem enigmas impossíveis de desvendar, morreu aos 82 anos. Suas irmãs, Maxine Holmberg e Gloria Christie, e sua família extensa confirmaram sua morte na terça-feira, dizendo que ela morreu de um derrame.

Winsor alcançou a fama em Nova York ao lado dos minimalistas durante a década de 1970. Sua arte, com suas formas repetitivas e os processos desafiadores usados ​​para criá-las, às vezes parecia até mesmo assemelhar-se às melhores obras daquele movimento.

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Mas as esculturas de Winsor continham algumas diferenças importantes: elas não eram feitas apenas com materiais industriais e também revelavam um toque mais suave e um calor interior que não estão presentes na maioria das esculturas minimalistas.

Suas laboriosas esculturas eram produzidas lentamente, muitas vezes porque ela realizava ações fisicamente difíceis repetidamente. Como a crítica Lucy Lippard escreveu em Fórum de arte“Winsor frequentemente se refere a 'músculo' quando fala sobre seu trabalho, não apenas o músculo necessário para fazer as peças e transportá-las, mas o músculo que é a propriedade cinestésica das formas enroladas e amarradas, da energia necessária para fazer uma peça tão simples e ainda assim tão cheia de uma presença quase assustadora, atenuada, mas não diminuída por uma desajeitada humorística.”

Em 1979, ano em que seu trabalho pôde ser visto na Bienal de Whitney e em uma pesquisa no Museu de Arte Moderna de Nova York simultaneamente, Winsor havia produzido menos de 40 peças. Ela já estava trabalhando há mais de uma década.

Para #2 Cobre (1976), uma obra que apareceu na exposição do MoMA, Winsor embrulhou 36 pedaços de madeira usando bolas de fio de cobre industrial nº 2 que ela enrolou em volta delas. Esse processo extenuante deu lugar a uma escultura que acabou pesando 2.000 libras. O Akron Art Museum de Ohio, dono da peça, foi forçado a depender de uma empilhadeira para instalá-la.

Para Pedaço Queimado (1977–78), Winsor criou uma moldura de madeira que envolvia um quadrado de cimento. Então ela queimou a moldura de madeira, para o qual ela precisou da perícia técnica dos trabalhadores do Departamento de Saneamento, que ajudaram a acender a peça em um lixão perto de Coney Island. O processo não era apenas difícil — era também perigoso. Pedaços de cimento saltavam enquanto o fogo ardia, subindo 15 pés no ar. “Eu nunca sabia até o último minuto se ele explodiria durante a queima ou racharia ao esfriar”, ela disse ao New York Times.

Mas, apesar de todo o drama envolvido na sua criação, a peça exala uma beleza silenciosa: Pedaço Queimadoagora de propriedade do MoMA, meramente se assemelha a tiras carbonizadas de cimento que são interrompidas por quadrados de malha de arame. É plácido e estranho, e como é o caso de muitas obras de Winsor, pode-se espiar dentro dele, vendo apenas escuridão no interior.

Como disse certa vez a curadora Ellen H. Johnson: “A escultura de Winsor é tão estável e silenciosa quanto as pirâmides; no entanto, ela não transmite o silêncio assustador da morte, mas sim uma quietude viva na qual múltiplas forças opostas são mantidas em equilíbrio”.

Jacqueline Winsor nasceu em 1942 em St. John's, Newfoundland, Canadá. Quando criança, ela testemunhou seu pai labutando em várias tarefas, incluindo projetar uma casa que sua mãe acabou construindo. Memórias de seu trabalho se espalharam em obras como Pedaço de unha (1970), para o qual Winsor lembrou-se da época em que seu pai lhe deu um saco de pregos para cravar em um pedaço de madeira. Ela foi instruída a martelar o equivalente a uma libra, e acabou colocando 12 vezes mais. Pedaço de unhauma obra sobre a “sensação de energia oculta”, relembra aquela experiência com sete pedaços de tábua de pinho, cada um fixado ao outro e forrado com pregos.

Ela frequentou o Massachusetts College of Art em Boston como estudante de graduação, depois a Rutger University em New Brunswick, Nova Jersey, como estudante de MFA, graduando-se em 1967. Depois, ela se mudou para Nova York junto com dois de seus amigos, os artistas Joan Snyder e Keith Sonnier, que também estudaram na Rutgers. (Sonnier e Winsor se casaram em 1966 e se divorciaram mais de uma década depois.)

Winsor havia estudado pintura, e isso fez com que sua transição para a escultura parecesse improvável. Mas certas obras atraíram comparações entre os dois meios. Quadrado Encadernado (1972) é uma peça de madeira em formato quadrado cujos cantos são enrolados em barbante. A escultura, com mais de seis pés de altura, parece uma moldura sem a pintura de tamanho humano que deveria ser mantida dentro.

Peças como esta foram amplamente exibidas em Nova York na época, aparecendo em quatro Bienais do Whitney entre 1973 e 1983, assim como em uma pesquisa de esculturas organizada pelo Whitney que precedeu a formação da Bienal em 1970. Ela também expôs regularmente na Paula Cooper Gallery, na época a galeria de referência para arte minimalista em Nova York, e figurou na mostra de Lucy Lippard em 1971, “26 Contemporary Women Artists”, no Aldrich Museum of Contemporary Art em Ridgefield, Connecticut, que é considerada uma exposição fundamental no desenvolvimento da arte feminista.

Quando Winsor mais tarde adicionou cor às suas esculturas durante a década de 1980, algo que ela aparentemente havia evitado antes disso, ela disse: “Bem, eu costumava ser pintora quando estava na faculdade. Então não acho que você perca isso.”

Nessa década, Winsor começou a se afastar de sua arte dos anos 70. Com Pedaço Queimadoo trabalho feito com explosivos e cimento, ela queria “destruição faça parte do processo de construção”, como ela disse uma vez; com Cubo aberto (1983), ela queria fazer o oposto. Ela produziu um cubo de cor carmesim de gesso, então desmontou suas laterais, deixando-o em um formato que lembrava uma cruz. “Eu pensei que teria um sinal de mais”, ela disse. “O que eu consegui foi uma cruz cristã vermelha.” Fazer isso a deixou “vulnerável” por um ano inteiro depois, ela acrescentou.

Trabalhos desse período em diante não atraíram a mesma admiração dos críticos. Quando ela começou a fazer relevos de parede de gesso com pequenas porções esvaziadas, a crítica Roberta Smith escreveu que essas peças eram “prejudicadas pela familiaridade e um senso de fabricação”.

Embora a reputação dessas obras ainda esteja em fluxo, a arte de Winsor dos anos 70 foi canonizada. Quando o MoMA se expandiu em 2019 e reformulou suas galerias, uma de suas esculturas foi exibida ao lado de peças de Louise Bourgeois, Lynda Benglis e Melvin Edwards.

Por sua própria admissão, Winsor era “muito exigente”. Ela se preocupava com os detalhes de suas esculturas, trabalhando arduamente em cada oitavo de polegada. Ela se preocupava antecipadamente com o resultado de todas elas e tentava imaginar o que os espectadores poderiam ver quando olhassem para uma delas.

Ela parecia se deliciar com o fato de que os espectadores não podiam olhar em suas peças, vendo-as como um paralelo dessa forma para as próprias pessoas. “Seu reflexo interior é mais ilusório”, ela disse uma vez.