Crítica de Reel: Alien Romulus – The Middlebury Campus

A mais nova adição à franquia “Alien” chegou aos cinemas em agosto e atendeu os fãs com uma história visualmente esplêndida, mas virtualmente sem originalidade. O filme, no entanto, sai da sombra de seus antecessores em um aspecto quando transforma a alegoria do horror do nascimento de seus predecessores em… horror de nascimento real.

“Alien: Romulus” se passa entre os eventos do original “Alien” (1979) e sua sequência “Aliens” (1986). O filme se passa em uma colônia de mineração e acompanha três pares de jovens irmãos, todos sofrendo sob as circunstâncias opressivas de sua servidão nas mesmas minas que mataram seus pais. A trama decola quando Tyler (Archie Renaux) recruta a ajuda de sua ex-namorada Rain (Cailee Spaeny) e seu irmão andróide Andy (David Jonsson) para sequestrar uma estação espacial desativada e sua tecnologia de criossono para escapar para um planeta distante. Lá, eles acidentalmente despertam xenomorfos inertes, os antagonistas de longa data na franquia “Alien”. O grupo é completado pela irmã grávida de Tyler, Kay (Isabela Merced), seu primo Bjorn (Spike Fearn) e sua irmã adotiva Navarro (Aileen Wu).

“Alien: Romulus” é em grande parte uma homenagem ao resto da franquia e apresenta retornos impressionantes, mas pouco inspirados, aos detalhes visuais de seus amados predecessores. Sua única inovação é ancorar a alegoria sexual dos monstros herdados do filme à gravidez de Kay.

Quando “Alien” foi lançado em 1979, era difícil não perceber o subtexto flagrante que ligava o monstro do filme — que, em suas várias formas, penetra brutalmente, sufoca, gesta e rasga corpos humanos por dentro — a experiências como estupro, gravidez e parto. Serviu como um testamento para a eficácia do parto como um instrumento para o horror, capitalizando por meio de imagens sensoriais imersivas o medo visceral — mas amplamente não realizado — no público masculino da violação de sua autonomia corporal.

Os criadores iniciais de “Alien” incitaram medo nos espectadores masculinos por design. “É assim que vou atacar o público; vou atacá-los sexualmente. E não vou atrás das mulheres na plateia, vou atacar os homens. Vou colocar todas as imagens que puder pensar para fazer os homens na plateia cruzarem as pernas”, disse Dan O'Bannon, o roteirista do filme original, no “Alien Saga Documentary” (2002). Parece notável para um filme tão dominado por homens em sua construção ter efetivamente neutralizado o 'olhar masculino' de seu próprio público, subvertendo uma imagem que era tipicamente uma fonte de prazer perverso quando acontecia com mulheres e transformando-a em uma fonte de puro horror ao infligi-la a um personagem masculino.

Em uma espécie de reverso duplo, “Alien: Romulus” se baseia nessa tradição criativa ao anexar as imagens de horror de parto mais potentes e explícitas do filme a uma personagem feminina grávida. A partir do momento em que Kay confidencia a Rain sobre sua gravidez, a admissão atua como um elemento explosivo na trama, que espera para explodir até o terceiro ato do filme.

 

         

Sofrendo de um de seus numerosos ferimentos quase fatais no final do filme, Kay faz a escolha desesperada de injetar em si mesma um soro que “aperfeiçoa” o corpo humano usando o DNA dos xenomorfos indestrutíveis. O soro corrompe o embrião jovem e acelera rapidamente o período de gestação, resultando em Kay, minutos depois, dando à luz um enorme ovo xenomorfo. A criatura que brota do ovo é, reconhecidamente, gloriosamente aterrorizante. Tem aproximadamente 3,6 metros de altura e parece ser um híbrido humano-xenomorfo. O “Offspring”, como é chamado nos créditos, também deve se assemelhar a personagens chamados Engineers, de “Prometheus” (2012).

A cena do nascimento, por si só, é horripilante e grotesca. A imagem que se segue, da prole se alimentando do cadáver mole de Kay, é de alguma forma ainda pior. É um motivo visual prenunciado anteriormente no filme, primeiro pela alusão à história dos gêmeos Remus e Romulus (que tradicionalmente são retratados amamentando uma loba na infância) e a inclusão da pintura “Vista do Hôtel de Ville de Marselha durante a Peste de 1720” por Michel Serre. Na cena em que Bjorn descobre a pintura a bordo da estação espacial, a câmera se aproxima de duas das figuras em primeiro plano, uma mulher morta e cinzenta esparramada no chão e uma criança pequena mamando em seu peito.

A cena final de Kay, descolorida e literalmente sugada até secar por seu próprio “filho” é angustiante e seu valor na narrativa é nauseantemente impressionante. Ela retrata as forças corruptoras do universo, indomáveis ​​até mesmo pela mais flagrante ganância capitalista, minando a vulnerável forma humana de vida em si.

Este momento permanece na mente do espectador enquanto os créditos rolam e colorem a conclusão com uma incrível e adequada… vacuidade. Todo o papel de Kay no filme, consistindo de poucas falas e o peso da brutalidade física, é repugnantemente condizente com sua morte. . Ela é usada, em sua forma vulnerável, como um saco de pancadas para cada golpe simbólico do filme.

Não se sabe se a decisão criativa de interpretar as imagens sexuais das obras originais tão literalmente e usar uma mulher como veículo é algo para aplaudir ou condenar. Mas assistir aos dois filmes em seus respectivos contextos políticos é desanimador, para dizer o mínimo. “Alien” foi lançado apenas seis anos após a aprovação de Roe v. Wade, o caso histórico da Suprema Corte dos EUA que, por 49 anos, protegeu federalmente o direito de uma pessoa grávida de fazer um aborto se assim o desejasse. Dois verões atrás, o caso Dobbs v Jackson Women's Health Organization reescreveu esse precedente. Desde então, vinte e duas proibições e restrições estaduais ao aborto entraram em vigor.

Estamos vivendo em uma época na América em que gravidez e parto são tópicos que incitam medo e horror reais. E “Alien: Romulus” indica que artistas homens e o grande conglomerado de entretenimento sob o qual eles operam podem estar muito confortáveis ​​capitalizando esse medo. A arte como um instrumento de mudança só é eficaz quando desafia sistemas de poder; quando deixa desconfortáveis ​​aqueles que se sentem confortáveis ​​vivendo em tempos injustos.

Infelizmente, a parte mais interessante do filme é a ironia com que ele explora a dor feminina, esvaziando uma tradição criativa subversiva, muito à moda de seus próprios antagonistas.